原文出處  /  翻譯 mibo  /  責編 yoyo

人們總說，每個偉大專案背後都有一個偉大的專案經理，但我們想更深入了解專案經理(Project Manager :PM)和創作團隊(Creatives)的實際關係，是不是和刻板印象一樣？專案經理像是操弄創作者和設計師的傀儡大師？ 還是創作端總是毫無限制的天馬行空爆時間、爆預算？這些說法公平嗎？

為了更進一步了解專案經理和創作者之間的滾動關係，我們訪談了三間頂尖的英國設計工作室：4Creative、DesignStudio、MadeThought，請他們分享自身參與專案以及如何建立成功的夥伴關係。 我們嘗試從客戶關係、預算、時程、甚至是難以達成的不可能中，去剖析「實現創意」與「維持進度」間的微妙關係。

LOU OLIVER
製作人 PRODUCER
&
ALICE TONGUE
創意總監 CREATIVE DIRECTOR
探討專案 Channel 4 rebrand, 4Creative

去年 Channel 4 推出了新的頻道包裝，包含特製的字體和整套色彩規範。 這對 4Creative 來說是一個很大的專案，涉及眾多來自不同團隊的人，其中也包括我們的製作人 Lou Oliver 和創意總監 Alice Tonge。 「我們已經共事很久了，」Lou 和 Alice 說。 「幾年前我們推出了4seven，並一起投入了電視節目 Born Risky (天生冒險) 一個名為「另一種聲音Alternative Voices」(請身障者來做廣播節目的主播)的專案。 兩者都非常具有挑戰性也很激烈，我們很快就發現我們很合拍。」

身為製作人，Lou 在聽取客戶提案時首先想到的是：「時間、金錢」以及「如何在這些限制條件下保護創意」；而 Alice 則比較像是直覺的膝反射：「媽的！別亂搞就好啦！希望 Lou 能管好這個案子。」儘管態度南轅北轍，但他們倆都同意，不斷溝通(talking)是融合雙方想法、達成共識的關鍵。

Lou 解釋道：「我想要充分了解創作端的所有事情，這樣才能知道 Alice 在說什麼、面對哪些狀況。幸運的是，她很擅長讓所有成員參與其中。」、「同時我也盡量避免因為專案壓力而使工作陷入困境，好在 Alice 對於工作的每個層面，包括製作上的要求都有很棒的理解。」

Alice 則接著說：「Lou 有超強的創造力，而且總是會將創意再往前推。例如，當我們所有人都認為某件事做不成時，她卻會非常興奮的想要去實踐。」、「這個 Channel 4 的品牌重塑專案就像是個層層包覆的俄羅斯娃娃(Russian doll)一樣繁瑣巨細，而 Lou 為自己列了洋洋灑灑的一堆待辦事項，意味著我只需要擔心創意部分就好。」

關於處理專案中的顛簸，Lou 說道：「多數高難度對話都是針對創作者的時間壓力，好在他們總會找到方法退一步來解決，不斷施壓、緊迫盯人並不總是有效。」 Alice 則補充：「當專案有點緊張時，我們常常會上街頭繞繞和吃巧克力餅乾去。」

對於 Lou 來說，與創作者合作時最棒的就是看到豐富的創意。 Lou 解釋說：「看他們傾向去挑戰不可能的事，且試圖達成它或是做出趨近的成果，就是這份工作中最珍貴的地方。」 Alice 很欣賞 Lou 為專案抓出方向的能力。 「她讓一切都實現了！ 這絕對是最棒的。 沒有她，這些想法只能是草稿、停留在紙上、或在我的腦袋裡打轉，而不是在電視上被看見。」Alice 說。 「和她共事的另一面是，她不會讓你鬆懈。 有次她鞭策我們做一個品牌案時，每個成員的屁股都被打爛了…，但 4Creative 是這麼務實積極的地方，所以給出的限制都是妳真的不得不照做的。」

對於 Alice 和 Lou 來說，若要一起創造出令人興奮的作品，那製作人和創作者之間的關係就至關重要。 「如果你們了解彼此的角色和壓力，那麼就能一起努力達成很棒的結果。如果製作人有參與創作過程，那麼他們就會下功夫來讓創意實現。」 Lou 下了結論。 

HAYLEY HYLAND
專案經理  PROJECT MANAGER
&
RICH LYONS
設計總監  DESIGN DIRECTOR
探討專案  Design Council Spark, DesignStudio

DesignStudio 因 Airbnb、羅技和運動品牌Head的作品而聞名。 最新力作是 Design Council (設計委員會)的 Spark (星星之火)專案。這是個產品創新基金，旨在加速產品上市。 DesignStudio 的任務是開發一個新的品牌識別以啟動 Spark，這個案子由設計總監 Rich Lyons 和專案經理 Hayley Hyland 來決定如何用有趣的方式執行。

儘管這是兩人首度共事，但因為他們倆都能瞭解彼此的工作方式，所以一拍即合。Hayley解釋：「我們必須了解每個專案的預算和時程。 就 Spark 而言，預算和時程條件都相當嚴苛。」、「但這些在簽約之前都會和創作者討論，以確保即使預算緊張，我們還是做的出來，而且是這個條件下最好的成果。」

對創作者Rich而言，對專案的初步認識、感受和想法非常重要，因為這能讓他去了解整個案子的未來走向。 他解釋說：「了解客戶和受眾很重要。像這次我們與Design Council合作，對設計師來說就很令人興奮，這意味著將與志趣相投、真正擁護設計價值的人一起工作。」、「作為創作者，我們對於自己能做到什麼有不少直接的想法。但在啟動專案上，建立合適的團隊才是關鍵－包括我、Hayley以及團隊其他成員將齊心協力，找出誰擁有合適的技能和知識。」

「設計過程是相當有機多變的，」Hayley解釋道。 「我們每天都充分的溝通，而且參與了所有流程中的關鍵決策，這表示，我不但可以掌握工作進度，同時也能適時加入客戶的重要觀點。」 Rich也肯定這種持續的交流很好，能讓整個工作流程變得更完整(whole)。

與上面訪談的4Creative相似，Hayley在專案中最常遇到的兩難是：「如何在客戶的預算內實現創意」 。正如設計總監Rich認為時程壓力會是反覆出現的麻煩：「我一直希望創作時有更多時間讓團隊開發出最好的作品。」 對他來說，與專案經理一起工作有時意味著要跟上進度、考慮預算和時程，這可能會對「想要創作的想法」造成壓力。 但最終團隊合作出的結果有目共睹：「Hayley非常善於馴服我們的野性，我從沒見過像她這樣喬事情的！」

同樣，Hayley珍視Rich如此注重細節，也正是她的設計背景帶她進到專案管理的領域。 「我之前是學攝影的，後來發現我更喜歡安排拍攝流程。 目前在DesignStudio的職責則混合了專案管理和客戶服務。」、「我了解創作流程，如果覺得必要補充的話一定會在決策規劃和創作階段就提供意見。 這時候工作室裡人人平等(everyone is considered equal)的文化就發揮了重要作用。」

LOUISA PHILLIPS DUNN
客戶總監  CLIENT DIRECTOR
&
THORBJØRN ANKERSTJERNE
藝術總監  ART DIRECTOR
探討專案  Adidas StellaSport SS16, MadeThought

回顧倫敦設計工作室 MadeThought 的作品集，Adidas StellaSport SS16 系列的作品充分體現了奢華、新穎和崇高的美感。 客戶總監 Louisa Phillips alignDunn 和藝術總監 Thorbjørn Ankerstjerne 都參與了該專案，這是兩人合作的第一個重要作品。

MadeThought 工作室的首要目標始終是放在創意，但實務上還是先交由 Louisa 來梳理專案背後的思維和製作，尤其像是這種牽涉了很多因素的大案子。再下一步就是要優先抓出足夠的時程。 Louisa 解釋：「我們消化了簡報的所有細節後，團隊便會坐下來確認創意和策略目標。」， Thorbjørn 繼續補充：「這些討論有助於我們在客戶的期望與我們自己的期望之間找到平衡。」

和多數工作室一樣，創作者 Thorbjørn 認為工作最大的困難仍在「有限的時間、預算內必須準時的交付工作」。 Louisa 也表示：「案子總是有限制，所以我的工作就是溫柔地提醒團隊這些限制，同時推動進度，並且對專案成果保持務實看法。」， 「通常這些高難度的對話在最壞打算(壓力測試stress-testing)時是最多的，要有危機意識是上述概念的運作關鍵。」

特別是這個專案，Thorbjørn 發現同時與時裝設計師 Stella McCartney 和 Adidas 合作很具挑戰性，他解釋：「因為他們的業務目標和期望根本天差地遠。」， 但事實證明，Louisa 非常有本事在創作團隊與客戶間打交道。 Louisa 說：「這是一個很難維持的微妙平衡，但我真的非常樂在其中。」、「我認為這取決於EQ和判斷情況的能力。」

Louisa 的創作背景無疑為她提供了這方面的敏感度，她說道： 「在成為製作人、客戶窗口之前，我受過平面設計的訓練也在業界工作過，這些寶貴經驗，讓我可以真正理解創作的過程。」， Thorbjørn 也同意：「Louisa 知道如何引導我們，但又不會讓我們感覺被束縛…，而且，知道總有人會顧著預算和時程真的很棒，這讓我們創意端能更專注發展，全力以赴。」

Louisa 和 Thorbjørn 都堅信，建立創作者與客戶管理之間的健康關係非常重要。 Louisa 表示：「如果你們不團結一致，案子很快就會出問題。 但當你們都能為彼此著想(coming from the same place)並且了解整個過程中的諸多細節時，這對案子絕對有幫助。」，Thobjørn接著說：「我們要站在同一陣線，並且樂於提出最佳方案。」、 「大家的有志一同非常重要，因為只有人對了最終才能有所成就。」

About the Project　關於企劃

Represent 是一間總部位在英國倫敦的設計產業招募機構，為了彰顯專案經理、客戶窗口和製片、製作人這些在創意產業中的無名英雄，他們在幕後努力，從提案的事前準備到結案成果交付，推動專案順利進行，至始至終。通過這系列文章，讓人們有機會了解這些善於統整、溝通和變戲法的人們，探討他們工作內容是什麼、如何做，以及為何這些人能有如此重要地位以及創造力。

原文出處 / 授權翻譯 School of Motion / 作者 Zak Tietjen / 翻譯 Una

Motion Blur 到底是好還是不好 ?

你剛完成了你偉大的動畫傑作，但...好像少了什麼東西...，啊!原來忘記開啟動態模糊 Motion Blur 了呀! 我開 ! 完美!

啟動吧! MOTION BLUR!!

現在可以開始進行下一個專案了...對嗎?

很多動態設計師不喜歡在專案中使用 Motion Blur，有些人甚至更極端的說 Motion Blur 根本就不該被使用。但我們想還給 Motion Blur 一個公道 ，所以這篇文章將透過分析幾個不同的範例，看看哪些地方使用 Motion Blur 會更棒，哪些則是不用反而更好。

Motion Blur 的好處

Motion Blur 這個概念是為了要幫助影格混和，以及模仿老攝影機在拍攝快速移動的物體時造成的模糊效果。而現在我們擁有高速快門的攝影機，幾乎可以消除動態模糊，讓一切看起來更像眼睛看到的。如果你沒有在你的動畫中使用 Motion Blur，每個影格就會像是完美的靜止瞬間，動態上則會給人一點點卡卡的感覺， 而這也就是「定格動畫」(stop motion)的本質，雖然動態是流暢的，但每格都是完美的瞬間。

美國 Laika 的定格動畫電影《 酷寶：魔弦傳說》

然而當我們使用 Motion Blur 時，影格間會感覺更加連續，動態也會看起來更為自然，而這就是 Motion Blur 的厲害所在。當我們努力地想讓動畫模仿真實世界的樣子，或製作實拍影片合成時，Motion Blur 可以大幅增加動畫的說服力，讓它看起來就像真實攝影機拍攝的一樣。

《 蜘蛛人：返校日》畫面拆解

Motion Blur 的問題

當我們使用後期合成軟體(例如：After Effects)製作典型的 2D 動態專案時，在輸出前套用 Motion Blur 到所有東西上，好像能讓影片看起來更自然一點，但有時候其實沒有套用效果會更好。

我們來聊聊簡單的彈跳球動態吧! 你做好了一個還不錯的球體下墜到地面、彈跳到停止的動畫，我們來看看有開跟沒開 Motion Blur 有什麼差別：

在開始的時候動態看起來似乎蠻不錯的，但越接近地面時就會失去越多彈跳動態的細節，在開啟 Motion Blur 的版本中，一直到球體快靜止前，我們並沒有實際看到球體與地面接觸的影格，也因為如此，我們感受不到球體應有的重量。在這個情況下，Motion Blur 就顯得有點沒必要，因為它奪走了我們動畫中的一些小細節。

不用 motion blur 的話，那我該怎麼呈現高速動態呢 ?

這可以讓我們回到早期，每個影格都必須手繪的動畫年代。動畫師們會利用一些技巧：像是「殘影 (Smear frames)*」或是「重影 (multiples)*」來呈現物件快速移動的視覺殘留。前者是用單張繪圖誇示的來表示伸縮擠壓的高速動態，後者則是重複相同物件在同一張圖上來達到這個效果，最棒的是，你的眼睛不太會注意到它們的差異。

美國音樂劇動畫電影《貓咪不跳舞》中的「殘影」範例

美國電視動畫影集《海綿寶寶》中的「重影」範例

傳統動畫師在製作現今的動態設計時仍會使用這些技巧，而且效果相當的好。 像是來自加拿大的動態工作室 Giant Ant 的動畫師 Henrique Barone 就是個在對的時間點使用「殘影 (Smear frames)」的高手，你能不能看出下面這張 GIF 中的「殘影」呢 ?

那實際上該如何活用呢 ?

即便不使用預設的 Motion Blur，還是有非常多極具特色的方法可以呈現快速動態，有些動畫師會利用跟著物體移動的動態軌跡，有些則會使用「殘影」技巧，看看這個非常有特色的動態軌跡範例吧：

Andrew Vucko’s “The Power of Like”

還有這些在使用「殘影」技巧的範例：

Emanuele Colombo’s “Don’t be a bully, loser.”

“Ad Dynamics” by Oddfellows

這個技巧也能用在其他的媒材上，就像我們總以為「定格動畫」就是典型沒有動態模糊的表現形式，但這邊你可以看到在 Laika 的定格動畫電影《 派拉諾曼：靈動小子 (Paranorman)》」中使用了 3D 列印的方式來讓定格動畫也有「殘影」的效果。

除此之外，這也能應用在 3D 動畫中！在《樂高玩電影》( The Lego Movie)裡，他們也有一套非常具特色的「殘影」技巧－利用多個樂高物件來呈現快速動態。

所以當你開始下個作品時，先暫停然後思考一下，哪種動態模糊效果才是最適合這個專案的，你的專案需要看起來非常寫實嗎 ? 那使用合成或 3D 軟體中預設的動態模糊就可以協助你達到非常自然的效果，或是你覺得你的作品更適合配上具有多點特色的殘影效果呢 ? 又或者是兩者都不要，有時也是很棒的選擇。

不管你選擇什麼，只要確保你的決定是基於「讓你的動畫看起來更好」就對了!

Bonus 實務補充

如果你對 2D 軌跡或是殘影很有興趣，這些 After Effects 外掛可以協助你有一個好的開始，但有時候自己動手做，也會帶來更多有趣的結果：

Cartoon Moblur
Super Lines
Speed Lines

如果你做的是偏寫實的動畫或 3D 渲染，那我們非常推薦 Reelsmart Motion Blur (RSMB) 這個外掛。

延伸閱讀

這種瘋狂的動畫風格，就是要有意識地畫走形－動畫學術趴
為什麼電影 24 格就行，但遊戲卻要 60 格？(感謝 Beryl 的補充!)
蜘蛛人：新宇宙 - 幕後製作

喜歡這篇文章的捧由，歡迎去 Medium 的原文出處，給 Una 拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍拍手喔！

 責編 & 校稿  /  師堯 Yoyo

原文：From Animation Student to Professional │ 作者： Mike Walling

現在，你終於畢業了，可能正面對著你的第一份工作。你坐在新的辦公桌前，看著電腦螢幕上你的第一顆動畫鏡頭。這時候你會很容易不自覺的陷入「我完成學習、找到工作了，最辛苦的部分終於過去，我已經抵達了終點線了！」的這種會讓你怠惰和養成壞習慣的心態。這是因為你以往都只習慣專注在學習動畫這件事情上，但現在卻是身處於一個完全跳脫學生身份的新位置上。

當然，你可以盡情享受那種成就感，但同時也應該花點時間審視自己現在在產業裡的位置，與計畫往後的學習之路。學著了解業界環境與如何在動畫領域中維持你的職涯發展。今天我想討論的就是，一但當你一進到業界後，該如何讓你自己本身還有你的動畫技術都更上一層樓 ─ 尤其當你跟我一樣，一路上花了許多心力來習得這門技術時。做動畫真的不是件那麼容易的事情。

我相信自己是個很好的動畫師。我不是在炫耀，但自從 1996 年開始進入業界到現在，一路走來，我的確在這產業中學習到了不少技能智慧，讓我受益良多並且能夠繼續在這領域中生存下去。以下是一些我學習到的經驗談，希望這些建議也能夠對你有所助益。

了解你的團隊與如何一起共事

你必須要有非常好的工作態度才能成為一位成功的動畫師。你的一整天幾乎都會坐在電腦前面對著你的那一鏡，然後在導演、技術指導和同事多變的工作要求中試著解決各種問題。一個順利運作的團隊需要每一個團隊夥伴的參與，而不是讓新來的動畫師在旁邊晃來晃去，東看看西看看。能夠做出最高品質動畫的，都是能夠吃苦並且願意吃苦的團隊。你花費越多心力在上面，得到的成果一定更好。不要當個只是站在旁邊崇拜的小粉絲，要當個對團隊有所貢獻並且願意抱持良好工作態度的人。

盡早且頻繁的確認工作內容

當你要開始做一個新鏡頭時，先確認你的導演對這顆鏡頭的"目的是什麼"、你的"角色可動性"，與動畫指導設下的"品質要求"。

然後，要快速的 Blocking( 3D 角色動畫中的表演佈局，類似手繪動畫的原畫草圖概念)，而且要經常讓別人確認你的進度。沒有甚麼比在一開始就花很多心力去細雕動作，結果最後卻被告知因為你的動作不符合角色個性或是不連景，所以要打掉重做更糟糕的事情了。在一開始做 Blocking 時，就要盡可能的用最簡單、最少關鍵張(key) 的方式去快速完成能夠清楚表達你的想法的 Blocking。而一旦你的 Blocking 過了以後，就可以開始盡興的花時間來提高那一卡的品質了。

失敗要趁早

這一項是我在現在任職的遊戲工作室 Bungie 裡很自豪的一項特質，盡早且經常的犯錯，能夠讓我們更快的融入團隊。失敗是進步時不可或缺的路程，甚至可以說是成功的最佳途徑。事實上，我們甚至會希望錯誤與失敗越早發生越好，免得我們一頭熱的栽進去做，然後等測試或試播後才發現一切都要大改。

「一個人若從來沒犯過錯，代表他從來沒嘗試過任何新事物。」-亞伯特‧愛因斯坦

如果你發現自己身處於一間需要團隊合作的公司，且同時能夠接受你為了在製作成品的過程裡不斷犯錯、成長，那麼你是非常幸運的。切記，不要覺得這是理所當然。

與各路團隊好好溝通

如果你的工作需要與其他團隊來往，或者你發現自己是處於領導者的角色，那麼就會需要學習"有效"的與別人溝通，而且溝通要盡可能的"公開透明"。我也發現，當我不是很確定工作任務或研究內容時，「適時發問」這個舉動非常有用。有些人會用點頭來表示他們聽懂你的指令，但過了一會兒又會跑來再問你一次，這樣不僅會延遲了整個工作進度，也會影響正在工作中的其他同事。

當你需要別人更進一步闡明時，儘管開口問，而且不要先入為主的覺得，對方應該知道你現在的製作狀況和你問問題的原因。拿我目前在 Bungie 的工作來說，我們很喜歡問很多的問題，而且不斷的去確認我們自己目前的工作優先進度。這樣一來是讓我們更清楚團隊工作目前是有在互相配合的，二來是確保我們不會阻礙別的同事或別組的進

組織工作與進度安排

如果你一進入產業就是跟我在同樣位置上，那麼事情一定會多到讓你手足無措。在 Bungie 中我有幸能"同時"負責幾個中短期專案。為了要讓我們能夠同時製作不同的案子，並且隨時切換工作內容，大家彼此的交流溝通過程會變得非常緊密重要。

因為這種緊湊的工作氛圍，我需要更清楚的掌握目前團隊進度，並且在其他成員對於他們工作內容不確定時給出即時肯定的答案。而且別忘了，很有可能，還有其他部門的工作是建立在你負責的流程之後。以特效或燈光部門為例，如果在你之後有音效或設計團隊要接手，那麼你一定要先搞清楚自己的工作重點與優先程度，才不會到最後，反而阻礙了之後設計師的工作。

我目前發現最好的方式，還是在 Excel 裡做個圖表。這可以讓我掌握這一週的所有工作狀況。我每天早上到辦公桌的第一件事就是看這個進度表，確定我現在在進度上的哪一部分、今天要完成什麼。然後我會與我的主管還有其他設計師再確認一次，好確保我目前要做的東西不會阻礙其他團隊的製作。

動畫製作中沒有「延遲」這件事

同理，因為還有其他團隊等著要你完成的檔案，所以你不該讓進度被拖延。但這不代表你不能因為案子優先程度的不同而暫緩其他案子，在不同案子間切換是為了讓全部的案子都能保持在進度上。但若你發現你的待辦事項已經開始要疊成一座山時，請務必花一點時間處理，或是和你的主管、團隊重新安排一下工作優先順序。

「讓自己身陷在一堆延遲的事情裡，會大大的影響你的創造力與工作態度，而且你心底會有個壓力知道，那堆未完成的工作正慢慢的越疊越高。」

如何從學生變成職業動畫師 -下

關於作者

Mike Walling 資深 3D 角色動畫師，曾在北美各大動畫工作室工作，包括：藍天 Blue Sky、夢工廠 Dreamworks、迪士尼互動。現任職於開發出大作《天命》(Destiny) 與 XBOX 《最後一戰》(Halo) 的知名遊戲工作室 Bungie。

責編 & 校稿  /  師堯 Yoyo 
贊助翻譯  /  飛踢 FFITI

原文：From Animation Student to Professional │作者： Mike Walling

不要停止學習 謹記五小時法則

這是非常重要的一點。我們動畫師很容易依賴天賦就在學習上懈怠。但事實上，我們必須不停在工作上努力實踐，而且同時精進自己，因為動畫是學無止盡的(茶)。五小時法則是個簡單的概念：把每天空出一小時、五小時一週，去專心的練習、學習專業上或對人生有益的新東西。這跟工作無關，這是自我學習的能力。

「投資知識能夠使你獲得最佳的收益。」- 班傑明．富蘭克林

立下學習目標，無論你是哪種動畫師 -做遊戲的、電影的、廣告的、兒童影集的，都該試著去創造你的「最佳工作流程」(Best Practice)，並且整理出想藉由動畫傳遞給觀眾的「連結」(Connections)。說到觀眾，還要先搞清楚你的目標觀眾是誰，然後才能接著設計出符合受眾的東西，你看，這又需要學習了。世界上最頂尖的動畫師永遠都會告訴你，他們仍在學習，而且保持著對新事物的好奇心。記住，動畫就是一段學習的旅程，沒有終點。

分享經驗　提升團隊　重視夥伴

一個好的團隊不會存在那種自恃甚高的風氣，大家會願意互相分享經驗，並討論如何能幫助到整個團隊。每一個與我共事的夥伴，無論是設計師、動畫師、UI 工程師都有他們各自的工作經驗與專業考量，而這些東西都能讓你學習，如何從不同視角來面對日常工作。有時候，工作上就只差那麼一個新的角度去看待熟悉的東西，我稱之為「創意衝擊」。

另外，新鮮人也很容易陷入到「因為我現在來到一個新環境，所以比起我身邊這些在產業待這麼久的大大來說，我應該沒甚麼能夠貢獻的吧！」這種消極想法裡。但我當年的主管可不這麼認為，如同他當初這麼跟我說，我也用同樣的話反駁你：「即使你目前擁有的只是僅供你找到第一份工作的技能而已，但你也一定還擁有其他人沒有的經驗，可以跟別人分享看法與學習心得。舉例來說：你做了什麼能讓你走到進入業界這一步，而不像許多其他人，仍在方向迷茫的道路上掙扎。」
 

保持謙遜

成為一個受大家讚許的夥伴，而不是一個大家會在背後議論的人。沒人會喜歡過度自負的人，所以不要成為那樣的人。試著找到你與團隊夥伴們的共鳴，並在工作過程中交流。最重要的是，在每次失敗時要像個團隊一樣，與大家一同承擔，在每次的成功後也要像個團隊一樣，與大家一同慶祝。

最棒的靈感並不重要 重要的是把它放進作品中

當你需要最適合這個案子的內容時，請拿那個最棒的靈感(不管這個靈感是怎麼來的)，然後將它依照你的案子需求修飾並適切的在作品中傳達。當我在藍天工作室時，我們部門有一個特別的工作文化：當有人在靈感上卡關時，大家就會聚在一個房間裡，一起看著出問題的那一顆鏡頭( Layout )，然後房間裡的每個人都可以提出他們的想法，一陣大亂鬥之後，那位動畫師就拿著最後勝出的、最棒的點子回去，設法把那一卡做出來。

合作是很好玩的事情 要能夠接納別人的建議跟和修正

這一點是我個人最重視的。我喜歡跟別人一起創作出很酷的東西，不喜歡一個人埋頭苦幹。而且少了與別人的意見交流，我不覺得自己還能做出很棒的東西。只要一有機會，我就會試著跟團隊成員們討論交流彼此的意見、靈感，並試著找出我們想製作的核心概念。我同時也很喜歡聽他們的想法還有觀點，不同建議總能讓我審視自己，是不是有漏看了什麼或是缺乏的東西。

享受努力的成果 要知道得來不易

動畫本來就很難，就算是專業動畫師也不會覺得比較簡單。你走了那麼遠的路才站在這裡，這一切並不容易。偶爾靜下來回頭看看，已經完成了多少了不起的作品，然後讓這些成為激勵你持續的動力，繼續往下一階段邁進，並且讓這股熱情感染你身邊的人。你身處的團隊、公司將會因為你而有所成長，而你也會因此而持續待在你所喜歡的動畫圈子裡。

開心的去做動畫吧，祝好運！

如何從學生變成職業動畫師 -上

關於作者

Mike Walling 資深 3D 角色動畫師，曾在北美各大動畫工作室工作，包括：藍天 Blue Sky、夢工廠 Dreamworks、迪士尼互動。現任職於開發出大作《天命》(Destiny) 與 XBOX 《最後一戰》(Halo) 的知名遊戲工作室 Bungie。

責編 & 校稿  /  師堯 Yoyo 
贊助翻譯  /  飛踢 FFITI

前言

這整篇都是筆者個人的腦補心得與籠統筆記，雪上加霜、不負責任的是，筆者還是合成門外漢中的門外漢，唯一能說嘴的大概就是這幾年來看了不少歐美中外相同類型的 CG 動畫，所以如有指教歡迎討論~

什麼是電影級動畫短片 Cinematic？

這種寫實 CG 風格的遊戲宣傳動畫，篇幅都大約落在 2-5 分鐘，講求電影等級的精緻質感，英文片名通常會加上 "Cinematic" 或 "Cinematic Trailer" 做強調，無論從分鏡構圖、材質光影、角色動態到特效合成的技術力都力求通通點滿，通常是製作 CG 類動畫短片公司所追求的頂點目標之一。

流行契機則是從美國的 Blur 工作室帶起的濫觴，連續幾支短片作品驚艷世界受到廣大歡迎，自此之後，幾乎變成所有遊戲大作的必備宣傳武力之一，死活都要在動畫上比拚一番。而比起過去，因為 3D 動畫軟體的日新月異，軟硬體的入門門檻愈來愈低，因此也有愈來愈多的動畫團隊投入這個創作領域，尤其是知名國際動畫工作室 Riot Games(誤)更是當中翹楚，一方面是挾著遊戲《英雄聯盟》的高知名度與廣大粉絲加持，另一方面當然有很多值得我們直接從作品學習的地方，而這就是本篇文章的重點啦(廢話真多)！

話不多說，先看影片，再來聊聊它好在哪裡~ (中文字幕)

畫面重點一看就瞭

不同於實拍素材需要大量的攝後剪輯，劇情動畫的每一顆鏡頭都有其目的性，理論上在分鏡階段都有設計了它想傳達的重點，通常可以分做三大類：角色表演、情境氛圍、關鍵展開。

> 角色表演為主的話

那人物就是重點，畫面上所有一切都是為了襯托角色而存在。人物的臉一定要打亮清晰，避開任何奇怪的反光或陰影，這裡的打亮不是一定要面光，而是即使角色背光(見圖)，臉還是能非常清楚的被閱讀被看見，這時候通常背景會柔焦、壓暗或降飽和避免喧賓奪主，角色與背景會有足夠對比，讓人一看畫面就能專注在角色上。

> 情境氛圍為主的話

那整體畫面通常是才是重點，通常用在交代環境、呈現世界觀、帶出整體氛圍的大景或建立鏡頭(establish shot)。一般來說，這類型畫面不是要做得華麗絕美到讓人癡迷，就是色調整齊單一，氛圍強烈得讓人印象深刻。

> 關鍵展開為主的話

通常都是拉比較近的鏡頭，比方說關鍵道具、武器或角色動作(通常是放大招)、表情表演需要被特別交代時，這種鏡頭很常出現慢動作，質感清晰精緻、輪廓打亮清楚是絕對基本的。

用光影、景深、顏色、休息帶出重點

聽起來像是基本常識，但其實仔細觀察會發現不少作品是做不到的，最常發生的現象是：背景太艷、太花、太美、太亮、太清楚而把人物吃掉，或是整個畫面都很均勻(flat)的模糊或清楚，很難快速抓到重點在哪裡。這部分有點像是實拍電影的調色、調光，不同的是因為動畫創作幾乎是無中生有的過程，在前期可以做更精準的設計來控制成果。

> 光影

畫面最亮與最暗的的地方永遠必須在打燈階段好好思考，有視覺引導的功能是最棒的，能把影片做到和概念美術一樣的效果就是最高境界了。人的視覺一般來說會先看會動的與最亮的視覺焦點，再漸次去看不動的與較暗的細節。(延伸閱讀：迪士尼動畫師 Andreas Deja 談動畫裡的視覺焦點)

> 景深

永遠要讓畫面重點是清晰的，移焦是很常見的敘事表現手法，但要做的自然並不容易，電影感的特徵之一就是過程中會帶點運鏡做輔助。

> 顏色

前期的色彩腳本(color script)或風格設定(style frame)相當重要，這部分也牽涉到角色設計與場景設計，好的顏色設計能讓這部分在後期階段事半功倍，比如讓紫色調的雷茲身處槁木死灰帶點金黃點綴的場景中，很容易能跳出被看見，即使他在畫面上只有一咪咪點大小。

> 休息

這和影片節奏有關，在快速的連串動作戲中加入特寫作為喘息空間，在一大段花花綠綠美景之中要插入色調單純的大景氛圍讓眼休息，都是在避免觀眾感官疲勞 。最常見的作法就是在連串打鬥裡插入一顆動態較小的角色反應鏡頭，或是在連續動作中加入某些特定的停止 pose(見圖) 與慢動作，記得要真的夠定夠純，切忌讓角色和場景一直躁動不安。反過來說，慢動作則是呈現英雄鏡頭(Hero shot)的特效藥，因為只要動作一慢觀眾就能馬上知道這地方"與眾不同"，但因此使用上也必須更斟酌，避免次數過多的慢動作，令人疲倦也流於俗套。

本片的休息幾乎動一卡就休息一卡，文戲的比例遠超過武戲，這點和中港台製作的同類型遊戲宣傳動畫恰恰相反，感覺我們常常用更少的時間、更匱乏的預算執行更艱巨的任務，滿滿的武打表演、慢動作和特效大場面，最終品質可想而知。

抓住重點，犧牲細節

我覺得這也是本片最厲害的地方之一，肯犧牲很多背景細節，或是用恰到好處的角色表演來成就真正的畫面重點。

> 置中

構圖上總是將最重要的東西置中，讓觀眾可以最快速的看見重點。

> 背景絕不搶戲

最簡單常見的作法就是讓背景具有深邃景深，但是景深最深的地方則是完全模糊的狀態，只帶氛圍不搶視覺，襯托角色存在感，讓觀眾專注在前景角色。

「視覺上」觀眾會去捕捉主角的一顰一笑和身上無比豐富的質感細節，「感受上」則會自然體會到畫面的整體協調性，而去忽略其實同樣美得驚人、用心良苦的背景(通常只有美術和動畫同業才會嘖嘖跪拜)，不被過多的背景細節所干擾。

> 動靜交替的表演 

3D 角色動畫師通常都是在打燈前的 preview 階段製作動態，但因為製作流程上的效率與便利性，這個階段的背景和角色視覺通常都是比較單純的，所以動畫師就很容易會想要加入動態表演來豐富內容，但其實在最後呈現時可能就變得太多了(小編做了快七年角色動畫才得來的好痛苦的領悟)，過多、華而不實的動作都容易讓影片節奏紊亂，觀眾沒有足夠的休息空間來吸收畫面重點，這點同時呼應前面提到的"休息"段落。

結語

人是非常討厭未知的生物，我們天生就有面對新東西 (任何沒看過的影片) 卻傾向快速套用已知模式來解讀的特性，因此我們喜歡為各種事物貼標籤，明知老梗卻樂此不疲，看到畫面最好能一目瞭然，希望能很自然地沉浸在故事與角色中，而不是還要去「思考」改如何解讀畫面，甚至是因為節奏紊亂，畫面繁雜，稀哩呼嚕的讓耐心看完的人也覺得一頭霧水，而這些還都是最基本的，還不足以讓人愛上你的作品。更進一步來說，如何讓觀眾在既有模式中產生新鮮感，這才是創意人最偉大的工作了。希望以上腦補分享能幫助到你(妳)~

用其他畫面再複習一下~

顏色，雷茲的紫色與場景對比讓他很能輕易的就被觀眾注目

背景，細節的取捨讓它幾乎糊成一團，畢竟這一卡畫面上已經有太多視覺元素要吸收：前景的寶石、雷茲的表情、雷茲身上的細節都在搶戲~

光影，鏡頭重點在最亮的地方，但角色在暗處勾出高反差的邊光，而且帶一點點的移動，不可能無視，但也不會搶到重點，是相當巧妙的設計。

休息，一靜接一動，上一顆鏡頭是動感十足的十面埋伏敵襲武戲，下一顆馬上接對手表情動作偏靜態的特寫。

慢動作，這大概是《雷茲》裡唯一的慢動作(?)，用的非常小心，大概眼睛一抓到剪影就跳卡了~

補充

還有一些可以在《雷茲》中看到，但其實也非常非常很困難的入門門檻：
1. CG 技術力要點滿，視覺品質拉高到電影等級。
2. 構圖分鏡要有層次，遠、中、近景層層分明。
3. 使用電影的畫面比例，刻意添加上下黑 Bar。
4. 運鏡取鏡要流暢有變化性，動作表演要連戲。
5. 音樂音效非常重要，能適時的烘托故事氛圍。

身上透光的特殊質感，物件毛髮豐富的細膩紋理，帶靈性的角色五官與眼神，技術力要點滿其實很難很難~

 參考資料：10個小訣竅，提升影片「電影感」

Photo via eSlide

原文出處 / 作者 Jason Schleifer / 翻譯 Ting Liu

很多人都知道賈伯斯在蘋果產品發表會時常用的「最後一件事 One more thing…」台詞。
在發表會中他會先公佈最新一季的銷售額、展示那個會瞬間變成我們人生中最重要的事的新蘋果產品，或是大談最新的 iMac 是現代科技產品裡最具有設計感的電腦...

最後最後，在發表會結束前，他會丟出那句「噢，對了！最後一件事…」然後投出讓大家為之瘋狂的引爆彈 - 可能是 AirPort、新的 iPod shuffle、Macbook Air... 不管是什麼，若沒有那句「最後一件事」，壓軸的重點似乎就顯得不那麼厲害了。

我一直在思考要如何將「最後一件事」這個想法也應用在調 animation 或是 rigging 上面，運用這個概念讓我們的作品更上一層樓。

我發現在我每次快要完成不管是一個鏡頭、pose 、骨架或是一串表演，我都只想要趕快結束它然後趕緊開始下一個進度。我們通常都會因為光做完眼前工作就已經筋疲力盡，加上可能還要忙著趕進度，或是因為盯著作品看太久了以致視覺、精神疲乏，而不知道如何讓眼前的這個作品可以再更好一點點。

所以我最近在處理鏡頭時，試著將這個概念運用進去。

Photo via photography

假設我正在擺一個看起來很傷心的 pose，在完成後，我會看著這個 pose 然後問自己「我可以做什麼『最後一件事』讓它看起來更傷心?」接著我會試著讓角色的 pose 更接近我自己丟出來的那一個問題，然後才往下一個步驟繼續。這就是這個「最後一件事」的小技巧 – 丟一個方向明確的「問題」給自己，然後試著讓作品更朝著那個方向調整前進。

方向明確、問對問題很重要，若我的問題僅僅是「還有什麼事是我最後可以做，讓這個 pose 變得更好？」這種統攏的「好」問題恐怕會使自己更沒有方向，因為能夠調整的地方太多了，反而會感覺更茫然；但若是給自己一個方向明確的問題，就會比較容易讓作品品質有明顯的提升。

再舉個鏡頭的例子。完成一顆鏡頭後，看著你的角色表演然後試著丟一個方向明確的問題給自己。假設說我們想要特別強調這個角色在事件發生時的「困惑」情緒，那麼可以丟這個問題給自己：「要怎麼讓我的角色看起來更困惑一點呢？」然後把你想到的寫下來﹝例如：眼神游移、皺眉、聳肩、搖頭…﹞然後想一下這裡面哪些事可以更加強化「困惑」這個情緒，並把它加在你的角色表演裡面。

問對問題顯然與角色動機與鏡頭目地有關，推薦兩篇延伸閱讀，同樣是本文作者 Jason Schleifer 的分享文章：動畫品質與效率的拉鋸戰 #４ 目的 / 動畫品質與效率的拉鋸戰 #5 探尋目的 。(編)

或者換個方式，你也可以逆向思考問說：「我可拿掉什麼讓我想表達的東西更清楚？」因為很多時候我們很容易不小心加太多東西進去，反而讓我們的作品不明確。稍微問自己會不會移除某一個 pose 或是某一個節奏可以更凸顯你所要表達的東西，通常都會有意想不到的收穫。

下次可以試試這個用在動畫裡的「最後一個問題」方法去強化你的作品，讓它提升到你意想不到的層次！

關於作者 Jason Schleifer

資深 3D 動畫師，超精彩大師級 Rigging 教學《Animator friendly rigging》講師，曾參與過電影《魔戒三部曲》、《馬達加斯加》、《麥克邁：超能壞蛋》，最新參與作品為《寶貝老闆》，現任夢工廠動畫角色動畫部門主管。

責任編輯 師堯 Yoyo
本文由 飛踢 贊助翻譯