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如何從學生變成職業動畫師 -上

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原文:From Animation Student to Professional 作者: Mike Walling

現在,你終於畢業了,可能正面對著你的第一份工作。你坐在新的辦公桌前,看著電腦螢幕上你的第一顆動畫鏡頭。這時候你會很容易不自覺的陷入「我完成學習、找到工作了,最辛苦的部分終於過去,我已經抵達了終點線了!」的這種會讓你怠惰和養成壞習慣的心態。這是因為你以往都只習慣專注在學習動畫這件事情上,但現在卻是身處於一個完全跳脫學生身份的新位置上。

當然,你可以盡情享受那種成就感,但同時也應該花點時間審視自己現在在產業裡的位置,與計畫往後的學習之路。學著了解業界環境與如何在動畫領域中維持你的職涯發展。今天我想討論的就是,一但當你一進到業界後,該如何讓你自己本身還有你的動畫技術都更上一層樓 ─ 尤其當你跟我一樣,一路上花了許多心力來習得這門技術時。做動畫真的不是件那麼容易的事情。

我相信自己是個很好的動畫師。我不是在炫耀,但自從 1996 年開始進入業界到現在,一路走來,我的確在這產業中學習到了不少技能智慧,讓我受益良多並且能夠繼續在這領域中生存下去。以下是一些我學習到的經驗談,希望這些建議也能夠對你有所助益。

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了解你的團隊與如何一起共事

你必須要有非常好的工作態度才能成為一位成功的動畫師。你的一整天幾乎都會坐在電腦前面對著你的那一鏡,然後在導演、技術指導和同事多變的工作要求中試著解決各種問題。一個順利運作的團隊需要每一個團隊夥伴的參與,而不是讓新來的動畫師在旁邊晃來晃去,東看看西看看。能夠做出最高品質動畫的,都是能夠吃苦並且願意吃苦的團隊。你花費越多心力在上面,得到的成果一定更好。不要當個只是站在旁邊崇拜的小粉絲,要當個對團隊有所貢獻並且願意抱持良好工作態度的人。

 

盡早且頻繁的確認工作內容

當你要開始做一個新鏡頭時,先確認你的導演對這顆鏡頭的"目的是什麼"、你的"角色可動性",與動畫指導設下的"品質要求"。

然後,要快速的 Blocking( 3D 角色動畫中的表演佈局,類似手繪動畫的原畫草圖概念),而且要經常讓別人確認你的進度。沒有甚麼比在一開始就花很多心力去細雕動作,結果最後卻被告知因為你的動作不符合角色個性或是不連景,所以要打掉重做更糟糕的事情了。在一開始做 Blocking 時,就要盡可能的用最簡單、最少關鍵張(key) 的方式去快速完成能夠清楚表達你的想法的 Blocking。而一旦你的 Blocking 過了以後,就可以開始盡興的花時間來提高那一卡的品質了。

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失敗要趁早

這一項是我在現在任職的遊戲工作室 Bungie 裡很自豪的一項特質,盡早且經常的犯錯,能夠讓我們更快的融入團隊。失敗是進步時不可或缺的路程,甚至可以說是成功的最佳途徑。事實上,我們甚至會希望錯誤與失敗越早發生越好,免得我們一頭熱的栽進去做,然後等測試或試播後才發現一切都要大改。

「一個人若從來沒犯過錯,代表他從來沒嘗試過任何新事物。」-亞伯特‧愛因斯坦

如果你發現自己身處於一間需要團隊合作的公司,且同時能夠接受你為了在製作成品的過程裡不斷犯錯、成長,那麼你是非常幸運的。切記,不要覺得這是理所當然。

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與各路團隊好好溝通

如果你的工作需要與其他團隊來往,或者你發現自己是處於領導者的角色,那麼就會需要學習"有效"的與別人溝通,而且溝通要盡可能的"公開透明"。我也發現,當我不是很確定工作任務或研究內容時,「適時發問」這個舉動非常有用。有些人會用點頭來表示他們聽懂你的指令,但過了一會兒又會跑來再問你一次,這樣不僅會延遲了整個工作進度,也會影響正在工作中的其他同事。

當你需要別人更進一步闡明時,儘管開口問,而且不要先入為主的覺得,對方應該知道你現在的製作狀況和你問問題的原因。拿我目前在 Bungie 的工作來說,我們很喜歡問很多的問題,而且不斷的去確認我們自己目前的工作優先進度。這樣一來是讓我們更清楚團隊工作目前是有在互相配合的,二來是確保我們不會阻礙別的同事或別組的進716de34eee4d70a0d9fef7f2a8278ba2.jpeg

 

組織工作與進度安排

如果你一進入產業就是跟我在同樣位置上,那麼事情一定會多到讓你手足無措。在 Bungie 中我有幸能"同時"負責幾個中短期專案。為了要讓我們能夠同時製作不同的案子,並且隨時切換工作內容,大家彼此的交流溝通過程會變得非常緊密重要。

因為這種緊湊的工作氛圍,我需要更清楚的掌握目前團隊進度,並且在其他成員對於他們工作內容不確定時給出即時肯定的答案。而且別忘了,很有可能,還有其他部門的工作是建立在你負責的流程之後。以特效或燈光部門為例,如果在你之後有音效或設計團隊要接手,那麼你一定要先搞清楚自己的工作重點與優先程度,才不會到最後,反而阻礙了之後設計師的工作。

我目前發現最好的方式,還是在 Excel 裡做個圖表。這可以讓我掌握這一週的所有工作狀況。我每天早上到辦公桌的第一件事就是看這個進度表,確定我現在在進度上的哪一部分、今天要完成什麼。然後我會與我的主管還有其他設計師再確認一次,好確保我目前要做的東西不會阻礙其他團隊的製作。

 

動畫製作中沒有「延遲」這件事

同理,因為還有其他團隊等著要你完成的檔案,所以你不該讓進度被拖延。但這不代表你不能因為案子優先程度的不同而暫緩其他案子,在不同案子間切換是為了讓全部的案子都能保持在進度上。但若你發現你的待辦事項已經開始要疊成一座山時,請務必花一點時間處理,或是和你的主管、團隊重新安排一下工作優先順序。

「讓自己身陷在一堆延遲的事情裡,會大大的影響你的創造力與工作態度,而且你心底會有個壓力知道,那堆未完成的工作正慢慢的越疊越高。」

 

如何從學生變成職業動畫師 -下

 

關於作者

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Mike Walling 資深 3D 角色動畫師,曾在北美各大動畫工作室工作,包括:藍天 Blue Sky、夢工廠 Dreamworks、迪士尼互動。現任職於開發出大作《天命》(Destiny) 與 XBOX 《最後一戰》(Halo) 的知名遊戲工作室 Bungie。


 

責編 & 校稿  /  師堯 Yoyo 
贊助翻譯  /  飛踢 FFITI

如何從學生變成職業動畫師 -下

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原文:From Animation Student to Professional作者: Mike Walling

 

不要停止學習 謹記五小時法則

這是非常重要的一點。我們動畫師很容易依賴天賦就在學習上懈怠。但事實上,我們必須不停在工作上努力實踐,而且同時精進自己,因為動畫是學無止盡的(茶)。五小時法則是個簡單的概念:把每天空出一小時、五小時一週,去專心的練習、學習專業上或對人生有益的新東西。這跟工作無關,這是自我學習的能力。

「投資知識能夠使你獲得最佳的收益。」- 班傑明.富蘭克林

立下學習目標,無論你是哪種動畫師 -做遊戲的、電影的、廣告的、兒童影集的,都該試著去創造你的「最佳工作流程」(Best Practice),並且整理出想藉由動畫傳遞給觀眾的「連結」(Connections)。說到觀眾,還要先搞清楚你的目標觀眾是誰,然後才能接著設計出符合受眾的東西,你看,這又需要學習了。世界上最頂尖的動畫師永遠都會告訴你,他們仍在學習,而且保持著對新事物的好奇心。記住,動畫就是一段學習的旅程,沒有終點。

 

分享經驗 提升團隊 重視夥伴

一個好的團隊不會存在那種自恃甚高的風氣,大家會願意互相分享經驗,並討論如何能幫助到整個團隊。每一個與我共事的夥伴,無論是設計師、動畫師、UI 工程師都有他們各自的工作經驗與專業考量,而這些東西都能讓你學習,如何從不同視角來面對日常工作。有時候,工作上就只差那麼一個新的角度去看待熟悉的東西,我稱之為「創意衝擊」。

另外,新鮮人也很容易陷入到「因為我現在來到一個新環境,所以比起我身邊這些在產業待這麼久的大大來說,我應該沒甚麼能夠貢獻的吧!」這種消極想法裡。但我當年的主管可不這麼認為,如同他當初這麼跟我說,我也用同樣的話反駁你:「即使你目前擁有的只是僅供你找到第一份工作的技能而已,但你也一定還擁有其他人沒有的經驗,可以跟別人分享看法與學習心得。舉例來說:你做了什麼能讓你走到進入業界這一步,而不像許多其他人,仍在方向迷茫的道路上掙扎。」
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保持謙遜

成為一個受大家讚許的夥伴,而不是一個大家會在背後議論的人。沒人會喜歡過度自負的人,所以不要成為那樣的人。試著找到你與團隊夥伴們的共鳴,並在工作過程中交流。最重要的是,在每次失敗時要像個團隊一樣,與大家一同承擔,在每次的成功後也要像個團隊一樣,與大家一同慶祝。

 

最棒的靈感並不重要 重要的是把它放進作品中

當你需要最適合這個案子的內容時,請拿那個最棒的靈感(不管這個靈感是怎麼來的),然後將它依照你的案子需求修飾並適切的在作品中傳達。當我在藍天工作室時,我們部門有一個特別的工作文化:當有人在靈感上卡關時,大家就會聚在一個房間裡,一起看著出問題的那一顆鏡頭( Layout ),然後房間裡的每個人都可以提出他們的想法,一陣大亂鬥之後,那位動畫師就拿著最後勝出的、最棒的點子回去,設法把那一卡做出來。
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合作是很好玩的事情 要能夠接納別人的建議跟和修正

這一點是我個人最重視的。我喜歡跟別人一起創作出很酷的東西,不喜歡一個人埋頭苦幹。而且少了與別人的意見交流,我不覺得自己還能做出很棒的東西。只要一有機會,我就會試著跟團隊成員們討論交流彼此的意見、靈感,並試著找出我們想製作的核心概念。我同時也很喜歡聽他們的想法還有觀點,不同建議總能讓我審視自己,是不是有漏看了什麼或是缺乏的東西。images.jpg

 

享受努力的成果 要知道得來不易

動畫本來就很難,就算是專業動畫師也不會覺得比較簡單。你走了那麼遠的路才站在這裡,這一切並不容易。偶爾靜下來回頭看看,已經完成了多少了不起的作品,然後讓這些成為激勵你持續的動力,繼續往下一階段邁進,並且讓這股熱情感染你身邊的人。你身處的團隊、公司將會因為你而有所成長,而你也會因此而持續待在你所喜歡的動畫圈子裡。

開心的去做動畫吧,祝好運!

 

如何從學生變成職業動畫師 -上

 

關於作者

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Mike Walling 資深 3D 角色動畫師,曾在北美各大動畫工作室工作,包括:藍天 Blue Sky、夢工廠 Dreamworks、迪士尼互動。現任職於開發出大作《天命》(Destiny) 與 XBOX 《最後一戰》(Halo) 的知名遊戲工作室 Bungie。


 

責編 & 校稿  /  師堯 Yoyo 
贊助翻譯  /  飛踢 FFITI

從《雷茲》看如何讓你的動畫更有電影感?

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前言

這整篇都是筆者個人的腦補心得與籠統筆記,雪上加霜、不負責任的是,筆者還是合成門外漢中的門外漢,唯一能說嘴的大概就是這幾年來看了不少歐美中外相同類型的 CG 動畫,所以如有指教歡迎討論~

 

什麼是電影級動畫短片 Cinematic?

這種寫實 CG 風格的遊戲宣傳動畫,篇幅都大約落在 2-5 分鐘,講求電影等級的精緻質感,英文片名通常會加上 "Cinematic" 或 "Cinematic Trailer" 做強調,無論從分鏡構圖、材質光影、角色動態到特效合成的技術力都力求通通點滿,通常是製作 CG 類動畫短片公司所追求的頂點目標之一。

流行契機則是從美國的 Blur 工作室帶起的濫觴,連續幾支短片作品驚艷世界受到廣大歡迎,自此之後,幾乎變成所有遊戲大作的必備宣傳武力之一,死活都要在動畫上比拚一番。而比起過去,因為 3D 動畫軟體的日新月異,軟硬體的入門門檻愈來愈低,因此也有愈來愈多的動畫團隊投入這個創作領域,尤其是知名國際動畫工作室 Riot Games(誤)更是當中翹楚,一方面是挾著遊戲《英雄聯盟》的高知名度與廣大粉絲加持,另一方面當然有很多值得我們直接從作品學習的地方,而這就是本篇文章的重點啦(廢話真多)!

話不多說,先看影片,再來聊聊它好在哪裡~ (中文字幕)

 

畫面重點一看就瞭

不同於實拍素材需要大量的攝後剪輯,劇情動畫的每一顆鏡頭都有其目的性,理論上在分鏡階段都有設計了它想傳達的重點,通常可以分做三大類:角色表演、情境氛圍、關鍵展開。

> 角色表演為主的話

那人物就是重點,畫面上所有一切都是為了襯托角色而存在。人物的臉一定要打亮清晰,避開任何奇怪的反光或陰影,這裡的打亮不是一定要面光,而是即使角色背光(見圖),臉還是能非常清楚的被閱讀被看見,這時候通常背景會柔焦、壓暗或降飽和避免喧賓奪主,角色與背景會有足夠對比,讓人一看畫面就能專注在角色上。

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> 情境氛圍為主的話

那整體畫面通常是才是重點,通常用在交代環境、呈現世界觀、帶出整體氛圍的大景或建立鏡頭(establish shot)。一般來說,這類型畫面不是要做得華麗絕美到讓人癡迷,就是色調整齊單一,氛圍強烈得讓人印象深刻。

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> 關鍵展開為主的話

通常都是拉比較近的鏡頭,比方說關鍵道具、武器或角色動作(通常是放大招)、表情表演需要被特別交代時,這種鏡頭很常出現慢動作,質感清晰精緻、輪廓打亮清楚是絕對基本的。

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用光影、景深、顏色、休息帶出重點

聽起來像是基本常識,但其實仔細觀察會發現不少作品是做不到的,最常發生的現象是:背景太艷、太花、太美、太亮、太清楚而把人物吃掉,或是整個畫面都很均勻(flat)的模糊或清楚,很難快速抓到重點在哪裡。這部分有點像是實拍電影的調色、調光,不同的是因為動畫創作幾乎是無中生有的過程,在前期可以做更精準的設計來控制成果。

> 光影

畫面最亮與最暗的的地方永遠必須在打燈階段好好思考,有視覺引導的功能是最棒的,能把影片做到和概念美術一樣的效果就是最高境界了。人的視覺一般來說會先看會動的與最亮的視覺焦點,再漸次去看不動的與較暗的細節。(延伸閱讀:迪士尼動畫師 Andreas Deja 談動畫裡的視覺焦點)

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> 景深

永遠要讓畫面重點是清晰的,移焦是很常見的敘事表現手法,但要做的自然並不容易,電影感的特徵之一就是過程中會帶點運鏡做輔助。

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> 顏色

前期的色彩腳本(color script)或風格設定(style frame)相當重要,這部分也牽涉到角色設計與場景設計,好的顏色設計能讓這部分在後期階段事半功倍,比如讓紫色調的雷茲身處槁木死灰帶點金黃點綴的場景中,很容易能跳出被看見,即使他在畫面上只有一咪咪點大小。

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> 休息

這和影片節奏有關,在快速的連串動作戲中加入特寫作為喘息空間,在一大段花花綠綠美景之中要插入色調單純的大景氛圍讓眼休息,都是在避免觀眾感官疲勞 。最常見的作法就是在連串打鬥裡插入一顆動態較小的角色反應鏡頭,或是在連續動作中加入某些特定的停止 pose(見圖) 與慢動作,記得要真的夠定夠純,切忌讓角色和場景一直躁動不安。反過來說,慢動作則是呈現英雄鏡頭(Hero shot)的特效藥,因為只要動作一慢觀眾就能馬上知道這地方"與眾不同",但因此使用上也必須更斟酌,避免次數過多的慢動作,令人疲倦也流於俗套。

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本片的休息幾乎動一卡就休息一卡,文戲的比例遠超過武戲,這點和中港台製作的同類型遊戲宣傳動畫恰恰相反,感覺我們常常用更少的時間、更匱乏的預算執行更艱巨的任務,滿滿的武打表演、慢動作和特效大場面,最終品質可想而知。

 

抓住重點,犧牲細節

我覺得這也是本片最厲害的地方之一,肯犧牲很多背景細節,或是用恰到好處的角色表演來成就真正的畫面重點。

> 置中

構圖上總是將最重要的東西置中,讓觀眾可以最快速的看見重點。

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> 背景絕不搶戲

最簡單常見的作法就是讓背景具有深邃景深,但是景深最深的地方則是完全模糊的狀態,只帶氛圍不搶視覺,襯托角色存在感,讓觀眾專注在前景角色。

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「視覺上」觀眾會去捕捉主角的一顰一笑和身上無比豐富的質感細節,「感受上」則會自然體會到畫面的整體協調性,而去忽略其實同樣美得驚人、用心良苦的背景(通常只有美術和動畫同業才會嘖嘖跪拜),不被過多的背景細節所干擾。

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> 動靜交替的表演 

3D 角色動畫師通常都是在打燈前的 preview 階段製作動態,但因為製作流程上的效率與便利性,這個階段的背景和角色視覺通常都是比較單純的,所以動畫師就很容易會想要加入動態表演來豐富內容,但其實在最後呈現時可能就變得太多了(小編做了快七年角色動畫才得來的好痛苦的領悟),過多、華而不實的動作都容易讓影片節奏紊亂,觀眾沒有足夠的休息空間來吸收畫面重點,這點同時呼應前面提到的"休息"段落。

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結語

人是非常討厭未知的生物,我們天生就有面對新東西 (任何沒看過的影片) 卻傾向快速套用已知模式來解讀的特性,因此我們喜歡為各種事物貼標籤,明知老梗卻樂此不疲,看到畫面最好能一目瞭然,希望能很自然地沉浸在故事與角色中,而不是還要去「思考」改如何解讀畫面,甚至是因為節奏紊亂,畫面繁雜,稀哩呼嚕的讓耐心看完的人也覺得一頭霧水,而這些還都是最基本的,還不足以讓人愛上你的作品。更進一步來說,如何讓觀眾在既有模式中產生新鮮感,這才是創意人最偉大的工作了。希望以上腦補分享能幫助到你(妳)~

 

用其他畫面再複習一下~

顏色,雷茲的紫色與場景對比讓他很能輕易的就被觀眾注目

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背景,細節的取捨讓它幾乎糊成一團,畢竟這一卡畫面上已經有太多視覺元素要吸收:前景的寶石、雷茲的表情、雷茲身上的細節都在搶戲~

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光影,鏡頭重點在最亮的地方,但角色在暗處勾出高反差的邊光,而且帶一點點的移動,不可能無視,但也不會搶到重點,是相當巧妙的設計。

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休息,一靜接一動,上一顆鏡頭是動感十足的十面埋伏敵襲武戲,下一顆馬上接對手表情動作偏靜態的特寫。

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慢動作,這大概是《雷茲》裡唯一的慢動作(?),用的非常小心,大概眼睛一抓到剪影就跳卡了~

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補充

還有一些可以在《雷茲》中看到,但其實也非常非常很困難的入門門檻:
1. CG 技術力要點滿,視覺品質拉高到電影等級。
2. 構圖分鏡要有層次,遠、中、近景層層分明。
3. 使用電影的畫面比例,刻意添加上下黑 Bar。
4. 運鏡取鏡要流暢有變化性,動作表演要連戲。
5. 音樂音效非常重要,能適時的烘托故事氛圍。

身上透光的特殊質感,物件毛髮豐富的細膩紋理,帶靈性的角色五官與眼神,技術力要點滿其實很難很難~

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 參考資料:10個小訣竅,提升影片「電影感」

"最後一件事" 讓你的作品更上層樓!

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Photo via eSlide

原文出處 / 作者 Jason Schleifer / 翻譯 Ting Liu

很多人都知道賈伯斯在蘋果產品發表會時常用的「最後一件事 One more thing…」台詞。
在發表會中他會先公佈最新一季的銷售額、展示那個會瞬間變成我們人生中最重要的事的新蘋果產品,或是大談最新的 iMac 是現代科技產品裡最具有設計感的電腦...

最後最後,在發表會結束前,他會丟出那句「噢,對了!最後一件事…」然後投出讓大家為之瘋狂的引爆彈 - 可能是 AirPort、新的 iPod shuffle、Macbook Air... 不管是什麼,若沒有那句「最後一件事」,壓軸的重點似乎就顯得不那麼厲害了。

我一直在思考要如何將「最後一件事」這個想法也應用在調 animation 或是 rigging 上面,運用這個概念讓我們的作品更上一層樓。

我發現在我每次快要完成不管是一個鏡頭、pose 、骨架或是一串表演,我都只想要趕快結束它然後趕緊開始下一個進度。我們通常都會因為光做完眼前工作就已經筋疲力盡,加上可能還要忙著趕進度,或是因為盯著作品看太久了以致視覺、精神疲乏,而不知道如何讓眼前的這個作品可以再更好一點點。

所以我最近在處理鏡頭時,試著將這個概念運用進去。

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Photo via photography

假設我正在擺一個看起來很傷心的 pose,在完成後,我會看著這個 pose 然後問自己「我可以做什麼『最後一件事』讓它看起來更傷心?」接著我會試著讓角色的 pose 更接近我自己丟出來的那一個問題,然後才往下一個步驟繼續。這就是這個「最後一件事」的小技巧 – 丟一個方向明確的「問題」給自己,然後試著讓作品更朝著那個方向調整前進。

方向明確、問對問題很重要,若我的問題僅僅是「還有什麼事是我最後可以做,讓這個 pose 變得更好?」這種統攏的「好」問題恐怕會使自己更沒有方向,因為能夠調整的地方太多了,反而會感覺更茫然;但若是給自己一個方向明確的問題,就會比較容易讓作品品質有明顯的提升。

再舉個鏡頭的例子。完成一顆鏡頭後,看著你的角色表演然後試著丟一個方向明確的問題給自己。假設說我們想要特別強調這個角色在事件發生時的「困惑」情緒,那麼可以丟這個問題給自己:「要怎麼讓我的角色看起來更困惑一點呢?」然後把你想到的寫下來﹝例如:眼神游移、皺眉、聳肩、搖頭…﹞然後想一下這裡面哪些事可以更加強化「困惑」這個情緒,並把它加在你的角色表演裡面。

問對問題顯然與角色動機與鏡頭目地有關,推薦兩篇延伸閱讀,同樣是本文作者 Jason Schleifer 的分享文章:動畫品質與效率的拉鋸戰 #4 目的 / 動畫品質與效率的拉鋸戰 #5 探尋目的 。(編)

或者換個方式,你也可以逆向思考問說:「我可拿掉什麼讓我想表達的東西更清楚?」因為很多時候我們很容易不小心加太多東西進去,反而讓我們的作品不明確。稍微問自己會不會移除某一個 pose 或是某一個節奏可以更凸顯你所要表達的東西,通常都會有意想不到的收穫。

下次可以試試這個用在動畫裡的「最後一個問題」方法去強化你的作品,讓它提升到你意想不到的層次!

 

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關於作者 Jason Schleifer

資深 3D 動畫師,超精彩大師級 Rigging 教學《Animator friendly rigging》講師,曾參與過電影《魔戒三部曲》、《馬達加斯加》、《麥克邁:超能壞蛋》,最新參與作品為《寶貝老闆》,現任夢工廠動畫角色動畫部門主管。

 

責任編輯 師堯 Yoyo
本文由 飛踢 贊助翻譯

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黃金狼的迪士尼短宣 & 轉場分析

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原文出處 & 編輯加油添醋

英國頂尖工作室 Golden Wolf 幫兒童電視頻道 Disney XD 做的一系列動畫 ident(簡稱:ID) 真的逼死人,這回的蜘蛛人又來到了新境界,嚇死人啦! 

 

同樣是動作戲,先前星際異攻隊那支的目標,是要在短時間內介紹五位角色。於是採「同場景」、「同時間線」下,以每位角色依序出招的方式帶出。精彩的點在於如何設計「流暢的招式動線」,轉場技巧相對單純(媽啦還是超猛)。

 

這次的蜘蛛人呢,目標則聚焦在他的經歷上:雙重身份的切換、蜘蛛人身份面對猛毒與綠惡魔時、彼得帕克的學生身份時。要在短短15秒囊括這些資訊(去掉最後LOGO出場其實只剩10秒),怎麼「轉場」就是重點啦。

 

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第一個轉場 -Zoom in

從眼鏡進入與猛毒(黑蜘蛛人)對峙的場景。眼睛 Zoom in 一直是轉場的好方法,尤其在處理回憶或你有另一個身份時。在這邊,運用眼鏡上的反光一刷,不僅俐落切換了兩個場景,也帶出鏡面裡的猛毒是「對面的、對立的」存在。如此一來,用到技巧之餘,在敘事上也有意義了。蜘蛛人揍了猛毒一拳後,來到~

終極蜘蛛人 Ultimate Spiderman ID

另一個蜘蛛人動畫影集的 ID,和本文主要範例一樣,運用了各種轉場技巧來交代主角發跡過程到與猛毒對峙,值得一提的是,裡面有幾個地方都用了許多快速 Zoom in 做場景切換的轉場,比方說開場兩秒,從蜘蛛背後高俯角瞬間切換成正面特寫,還有三秒處利用蜘蛛絲的一步步 Zoom in,從全身入鏡射出(細)蜘蛛絲,快速 Zoom in 成手握(中)蜘蛛絲特寫,再轉變成整個人在(粗)蜘蛛絲上跑,相當精采。(編)

 

 

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第二個轉場 -相似姿態

這手法常用在敘事中的今昔對比上,造成強烈的戲劇張力。我自己印象深刻的有日本動畫短片《回憶積木小屋 つみきのいえ 》在海中的那景(自己看,哭死你)、Gobelins 學生作品《眾道 SHUDŌ》的多處轉場等。這邊雖然只是用來切換蜘蛛人與彼得帕克的身份,有趣的是,同個姿態,上一秒是英勇揮拳之後,下一秒卻是站不穩要跌倒啦,呈現出兩個身份給人的衝突印象。

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另外有個小小細節:看跌到前角色的行徑方向與動作,似乎是延續開場出門上學的場景,但仔細看他身上少了側背包、手上多了書本、加上地板上的方形磁磚,這邊應該已換到學校或圖書館等其他場景了。

宇宙小奇兵 Wander Over Yonder ID

「相似姿態」轉場的極佳範例,重點是無敵帥的角色動畫,擠壓到動態極張時瞬間切換成另一個角色,流暢到你完全忽視轉場。(編)

 

 

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第三個轉場 -爆炸

藉著書本掉落產生的爆炸,轉到大廈間與綠惡魔追逐的場景。爆炸 超 級 好 用 ㄉ,管它爆的合不合理,先爆再說,有爆有爽!(好還是看情況)

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爆炸的好處是無論用閃光、煙塵、破碎物都可以迅速蓋住整個畫面做切換,而這類短小的片頭或過場型動畫,因為快又強大的感官刺激,觀眾其實不太在乎(亂說)造成爆炸的原因合不合理,我就曾畫過一支筆丟過去就 蹦!爆炸了。但話說回來,瞧瞧封面上那像某個數學或科學的公式,嗯,硬要扯的話這爆的也算是有些關聯的(屁)。

大英雄天團 Big Hero 6 ID

另一個「爆炸」轉場的進化範例,利用真正主角(誤)杯麵的眼睛「兩點一線」做相似形狀的線索,利用眼睛、頭髮、道具、火焰的動態快速佔滿畫面做轉場。(編)

 

 

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第四個轉場 -動態延續

怎麼說勒,大概就是,兩個不同的場景可以藉著彼此畫面上的物體朝同個方向「接續」前進而串接起來。像這邊的蜘蛛人衝向鏡頭後小蜘蛛落下,他們在畫面上都依循大約畫面中央的垂直線由上到下運動,並在線上某處接棒。但其實這種轉場任一方不一定要做完完整運動,有時前一卡做到預備動作,其實就可以達到效果了,例如今年 Gobelins 學生為安錫影展做的片頭動畫《武器道 Wu QI Dao》,有好幾處就用到這項技巧,十分精彩。

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公主闖天關 Star vs the Forces of Evil

靠著快速的一個動作表演,讓一個個情境接續轉換,不變的是動態的延續,以及故事中的關鍵道具「皇家魔法杖」一直都在。

 

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第五個轉場 -相似形狀

非常常見的轉場手法,跟第二個轉場「相似姿態」是一樣道裡,只是這次採用「相似形狀」來連接。另外,這支短片也用了綠色與紫色來加強區分兩個情境。

公主闖天關第二季 Star vs the Forces of Evil Series 2

利用條紋視覺產生的「錯視」做空間切換的各種轉場,短短十秒就換了五個空間感,相當厲害。(編)

 

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以上說歸說,其實自己在轉場上的使用還十分低階。好的轉場如同好的特效,讓你無法察覺。像第一次看這支片的當下,不會特別注意他用了哪些技巧,很自然就看完他在演什麼,是之後一看再看,一一拆解才,喔~用了這些啊。

融技巧於敘事當中,我認為就是轉場的最高境界。

原本只是想分享精采的片子,結果打了這麼多。所以說阿,以後別再問「啊不過幾秒的東西怎麼這麼貴啊」、「放個屁就演完了是要畫多久啊?」

嗯?

 

Golden Wolf

這系列 ID 真的每一支都很有意思,可以想像製作團隊絞盡腦汁要在最短時間內設計出最酷炫轉場,同時交代影集核心角色與故事出場的難度。底下再列出系列作品中也很有意思的轉場應用。(編)

星際大戰 Star Wars Rebels

一開始是 Motion Graphics 很常見的轉場手法,用橫向的背景色塊做切換,但收尾不俗,將所有物件揉合進光劍水晶,從各方面來說,光劍在星際大戰中有其重大象徵意義,是力量、正邪、身份、動態的各種視覺表現,再拉出來又是影集男主角揮舞著它,完美。(編)

神秘小鎮大冒險(讚啦 Gravity Falls ID

「分解聚合」轉場的極佳範例,背景則是趁你視覺集中在中間變化時,一格切換,神不知鬼不覺。(編)

唐老鴨俱樂部 Ducktales ID

「剪影」轉場的有趣範例,當 剪影B 中的 角色A 衝向畫面時,會瞬間切換成 角色A 的剪影做轉場。(編)

 

作者簡介

陳威元,台北藝術大學動畫系畢業,畢業作品《水巨人》精緻動感,相當有個人特色。長年與同學詹凱勛投入台灣動畫盃的短宣創作,也是每年值得期待的精采短篇。目前在大貓動畫工作室擔任手繪動畫師。

威元帥氣的 Vimeo 頻道

 

Golden Wolf 官網

Golden Wolf 臉書

來自搖滾樂團的夢行者 Poet Anderson

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美國搖滾樂團天使頻道 Angels & Airwaves 所推出與單曲專輯同名的原創動畫短片系列,創團主唱兼吉他手的 Tom DeLonge 是整個作品的主導者,目前已經推出兩支作品,揉合 3D 動畫與手繪質感,熱血搖滾加上節奏俐落的戰鬥追逐相當速配,有著不輸電影長片的氣勢張力與精緻品質!

 

夢行者 The Dream Walker

系列作的起點,Tom DeLonge 是這支長 12 分鐘短片的故事原創與製片,並找來了動畫師兄弟檔 Sergio Martins 與 Edgar Martins 共同執導。故事描述男主角 Poet Anderson 因為不斷做著被怪獸追殺的惡夢,意外獲得穿梭在現實與夢境之間的超能力,並因此遇到他專屬的"夢行者",得以跟著一起探索深沉黑暗的夢境世界,並因此改變現實生活,但同時他們也會受到來自夢境夜魔 Night Terror 的追擊,最後突破萬難成為英雄的故事。

The Dream Walker 完整影片

有意思的是,主創 Tom DeLonge 過去同時也是流行龐克搖滾天團 Blink 182 的創團主唱兼吉他手,2015 年初時發生了一件震驚樂壇的事件,就是創團的他居然被另外兩位成員片面踢出樂團的羅生門,據稱就是因為他太忙於外務,忙到甚至連進錄音室錄新專輯的時間都沒有,令人不禁聯想,難道是因為太投入夢行者的動畫製作了嗎?(編:用樂團賺錢養動畫 IP,好佛啊...)

 

源自噩夢 Of Nightmares

單飛的 Tom DeLonge 之後開了一間新公司叫「To the Star」負責他的各種跨界創新事業,並在 2015 年底與他主導創立的樂團天使頻道 Angels & Airwaves 合作發行了第二張全新單曲專輯《...Of Nightmares》,同時繼續以 2014 年夢行者的動畫為主題推出同名續作,除了最主要的唱片和動畫之外,他們還同時推出了找文壇大手寫的小說、大手畫的漫畫以及美術設定集等各種周邊。

Of Nightmares 打周邊釋出的精采片段 1

Of Nightmares 打周邊釋出的精采片段 2

唱片、動畫、小說、設定集四位一體,網友開箱還有 T-shirt 呢!(編:心動惹~)

從影片可以看出 To the Star 業務範圍廣泛

 

追逐光影 Chasing Shadows

2016 年 Angels & Airwaves 再推出新單曲專輯《Chasing Shadows》不過,這次同步推出的就不是動畫而是一本書《Sekret Machines》和一支同名紀錄片(編:Sekret 應該是結合 Secret 神秘 與 Sky 天空 的自創字),由 Tom DeLonge 與知名的「不明航空現象」研究學者 A.J. Hartley 合著與對談(看來 Tom 真的很不甘於只做一個樂團主場 XDD),描寫各種引發天空異相的軍事或氣象可能。

 

最新消息 

從兄弟檔導演 Sergio Martins 的 2016 作品集中可以看到更多未釋出的動畫新片段,表示 Poet Anderson 仍在持續進行中,據說現在正積極的籌備動畫電影呢。

 

各種應用

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參考資料

Of Nightmares wiki

Chasing Shadows Wiki

Sergio Martins continue d'animer Poet Anderson

Poet Anderson 官網

插畫家 GUS MENDONCA 為 Poet Anderson 畫的概念美術

Blink-182 吉他手 Tom DeLonge 退團羅生門!? 

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