改編經典遊戲的真人實拍電影《音速小子》自開拍以來話題不斷，其中又以去年公開的預告角色造型被批評的最為慘烈，體無完膚，後面還經歷了角色大改、預算猛增與上映延期，因此票房也被許多網友、影評甚至同業看衰。但上周在北美上映後卻意外開出紅盤，首週以 5700 萬鎂的驚人成績拿下冠軍寶座，甚至超越了 19 年上映的《名偵探皮卡丘》，創下了遊戲改編電影類型的首周票房歷史紀錄，目前上映八天全球累計票房已經來到 1.25 億鎂。

半年之間從惡評如潮到叫好賣座，又是電影市場不太討喜的電玩改編題材，《音速小子》是如何做到的呢，於是小編研究了一番，腦補了五種可能，拋轉引玉：

五百萬鎂整形成功

《音速小子》原本預計在去年 11 月上映，但當時公開的預告影片中，主角 Sonic 的造型太過奇葩：纖細過長的手腿身體，眼睛過小眼距太寬，有著不討喜的寫實肌肉與特徵，各種詭異錯置的恐怖谷設計，引來了全球玩家觀眾排山倒海的嘲諷批評。

面對一面倒的負評，製片公司派拉蒙與遊戲公司 SEGA 果斷延後了電影上映日期，找來美國有名的《音速小子》二創插畫家 Tyson Hesse 做新設計總監，並且多花了 500 萬鎂幫主角打掉重練(整體預算達到 8500 萬鎂，但以 CG 動畫長片來說並不算高)，如今看來，成效斐然。

Jim Carrey 超 Carry

飾演反派蛋頭博士的金凱瑞( Jim Carrey )過去的演技與特質顯然非常適合這個角色，預告中的演出表現在網路上大受歡迎，讓人想到他全盛時期膾炙人口的經典演出，金凱瑞為了表演好這個 IQ300 的邪惡博士，甚至還拜訪了科學家霍金來取經。神經質的快人快語，喜怒難測的陰晴不定，都讓人聯想到他過去的經典作品《摩登大聖》。

冷門的上映檔期

通常動畫大片或是遊戲改編電影都會選擇在「學生放長假」的檔期上映，像是寒暑假、聖誕節、感恩節、春假都是熱門檔期，而《音速小子》則因為檔期延後了 3 個多月，因此只能選擇在比較冷門的美國總統紀念日暨情人節檔期上映，雖然是比較不尋常的操作，但也因此避開了其他親子或青少年導向的娛樂大片來競爭，變成獨佔類型的強片，而目前大概要等到3月初春假檔期的皮克斯原創新片《1/2的魔法》上映後才有對手。

音速小子的魅力

遊戲《音速小子》在 1991 年登場後，就坐穩了 SEGA 的當家明星至今，玩家粉絲遍布全球，不少人都有著那種對經典的共同記億。因此，電影最後能以寫實討喜的造型還原，就能重新獲得強大 IP 的加乘紅利，而且當年受音速小子影響的小孩如今都長大變成父母，熟悉的角色主題又有經濟大權的他們，更有可能帶著孩子們進戲院去重溫回億。經典的遊戲角色也能為電影籌備帶來許多好處，像是招募知名演員參演，或是行銷廣告中找來一線明星運動員。

導演 Jeff Fowler 與 Blur

本片是他的第一部長片作品，因此可能他也比較具有修改彈性，當初面對排山倒海的批評時，就是他率先在 twitter 上公開表示聽見粉絲心聲，並且保證會做出相對應的調整改變。他過去本身是 3D 動畫師與特效藝術家，最有名而且很具娛樂性的導演作品其實是一支在 2004 年由 Blur 工作室負責製作的喜劇動畫短片《Gopher Broke》，當時有入圍奧斯卡最佳動畫短片獎的決選名單，以及另一部也是由 Blur 負責製作的《A Gentlemen's Duel》，而且也是喜劇動畫短片。

如此一來，可以知道 Jeff Fowler 擅長喜劇，不會無視觀眾反應，有著第一線的動畫實戰經驗，而且與知名後期工作室 Blur 關係匪淺，Blur 這次也有參與《音速小子》的動畫與後期統籌，創辦人 Tim Miller (電影《死侍》的導演)同時也掛名執行製片之一，也許這層關係讓這次《音速小子》遇上了「整形危機」得以快速順利的做出正確決定，他在近期也對於票房佳績給了 Blur 雙關的大感謝。

參考資料：

‘Sonic The Hedgehog’ Is Set To Speed To The Top Of The Box Office

‘Sonic The Hedgehog’ Lands Best Ever Opening For A Video Game Movie

© all photos courtesy of WIRED / MPC / Disney / ILM / Weta Digital / Digital Domain / The Oscars 2020 / 92nd Academy Awards

( 圖一 )

本文講者 Kevin Baillie 是 Atomic Fiction 創辦人 / Method Studios 視效總監 (圖一)

Kevin Baillie 說 : 今年奧斯卡最佳視覺效果獎的入圍名單非常精彩，因為整個名單非常多元，涵蓋的技術包羅萬象。有數位角色的特效 (digital characters)、有把人變年輕的特效 (de-aging)、有隱形的特效 (invisible effects)、有實拍的特效 (practical effects)、也有把實拍攝影導入虛擬製程的特效 (virtual production)。

《復仇者聯盟 4：終局之戰》 (Avengers : Endgame)

( 圖二 )

Kevin Baillie 說 : 為了體現教授浩克 (Smart Hulk) 這個全新的角色，特效團隊運用了最新的人工智慧技術。以前的動態捕捉，角色的表演是由演員臉上的點所驅動的，但這些點與點之間時常會有遺漏的資訊，導致整個角色看起來假假的，但現在因為有機器學習 (machine learning) 我們可以教電腦，臉應該要怎麼動，所以當演員頭戴攝影機，臉上貼點表演時 (圖二)，其實捕捉的資訊不用太多，只要把演員表演的要旨輸入到機器學習的演算法 (maching learning algorithms) 裡，電腦就會去自動分析，臉應該要怎麼動，自動把點與點之間沒捕捉到的資訊補齊，最後這些資訊就會變成教授浩克 (Smart Hulk) 傳神的表演。

(圖三)

(圖四)

(圖五)

但是表演要傳神，其實機器學習 (machine learning) 的前製作業是要花非常多時間的。我們須要給電腦大量的資訊，我們叫這些資訊「訓練資料」 (training data) 。我們會先用非常高解析度的攝影機把演員的 3D 樣貌掃描出來 (圖三)，然後會再請演員做出各種不同的表情變化  (facial range of motion) 例如哭到笑、笑到氣 (圖四) ，這是最花時間的步驟，然後我們會再把上百種表情下，毛細孔、肌肉、皺紋的變化全部輸入到電腦中 (圖五)，這會用掉億萬位元組的資訊 (terabytes of data) ，這讓我們可以只要捕捉少量的「現場資料」，再比對大量的「訓練資料」就能塑造出傳神的數位角色。

《星際大戰：天行者的崛起》(Star Wars : The Rise of Skywalker)

(圖六)

(圖七)

Kevin Baillie 說 : 《星際大戰》是奇幻電影的代表作，但為了讓人們相信這個奇幻世界是真的，它的特效就必須更寫實。這部片花了非常大的力氣去執行這件事，所以它用了非常多的機械木偶、實拍模型 (圖六)、真實搭景 (圖七)。我覺得完美結合實拍跟後製一直都存在星際大戰的基因中 (Star Wars DNA)，所以決定那些地方要用實拍的、哪些地方要用後製的，永遠都是這一系列電影的一大挑戰。

(圖八)

(圖九)

有一場發生在海中死星上的戲，特效總監 Roger Guyette 和他的團隊就必須決定哪些海水要用真的，哪些要用後製作的，最後他們決定保留少部分真的海水，大部份海水都用後製的 (圖八)。對特效團隊來說最重要的是，演員能跟真的東西互動，像那些激起的浪花，真的濺到演員身上 (圖九)，是最後特效看起來寫實的關鍵。

我在做星際大戰第一集的時候，有些技術還未成熟，我們當時會問，這個東西做得出來嗎? 但是現在技術已經進步很多了，我們就應該問，這個東西要怎麼做才比較恰當。我認為《星際大戰》是特效用的恰如其分的最好範例。

《1917》(1917)

Kevin Baillie 說 : 如果你認為《1917》沒有用到什麼特效，那你就大錯特錯了，這部片從頭到尾都是特效，這是一部一鏡到底，看起來像沒有剪接的電影，光是這點特效團隊就要花非常多的功夫。這部片在各種不同的景點拍攝，有室外、有室內、也有片場，也在不同的時段拍攝，有清晨、有中午、有晚上，如何把這一切銜接起來，讓它看起來是順暢的，全要歸功於特效團隊。

(圖十)

(圖十一)

(圖十二)

談到銜接，有一場主角從一個村莊中逃出，從一座橋上跳下，落入一個喘急河流中的戲，主角在橋上時是真人 (圖十)，往下跳時變成數位人 (圖十一)，到河流中又變回真人 (圖十二)，這一切都是一鏡到底，但卻是在不同日子、不同地點拍的，這只是數千個要花數百個小時完成的特效鏡頭中的一個例子。

(圖十三)

除了角色的銜接，場景也要花非常多功夫製作，這部片發生在一戰時期，像地上的坑洞、廢鐵、坦克、子彈全都是用特效做的 (圖十三)，但這些特效一點都不浮誇，也可以說根本看不出是特效，我們叫這種特效「隱形的特效」，它是輔助故事用的，而不是故事本身，這反而是我最喜歡的特效類型。

《愛爾蘭人》(The Irishman)

(圖十四)

(圖十五)

Kevin Baillie 說 :《愛爾蘭人》是一部角色會歷經青年、中年、老年不同人生階段的電影，這部片也因為這項「把演員變年輕」 (de-aging) 的技術而入圍這次的奧斯卡，但 Martin Scorsese 不想用到動態捕捉，他只想像一部正常電影一樣拍攝這部片，於是特效總監 Pablo Helman 和他的團隊就寫了一個叫 Flux 的軟體。這個軟體取材於現場演員真實的表演，然後它會把一個年輕版的數位面具貼到真實演員的臉上 (圖十四)，然後這個數位面具會再參考演員年輕時的影片與照片下去製作 (圖十五)，最後為了讓這個數位面具能成功定位，他們會用不只一台，而是三台攝影機拍攝 (圖十六)。

(圖十六)

中間的攝影機是一台正常的攝影機，然後兩旁的側拍機 (witness camera) 能拍出紅外線影像 (infrared footage) (圖十七)，所以就算導演為了氣氛，演員有一半的臉在陰影中，紅外線還是能順利捕捉到角色完整的輪廓，成功做出年輕版的數位人。

(圖十七)

我認為演員能成功演出年輕版的自己，對產業後續發展影響很大，或許未來選角就可以只看個性，不用顧慮到年紀。但有人就會問，用數位人取代演員有道德上的問題嗎? 我認為數位人是不可能取代演員的，《愛爾蘭人》就是最好的證明，再厲害的特效都做不出 Robert Deniro 那種層次的表演，觀眾有共鳴的也一直都是演員真誠的表演，所以我覺得《愛爾蘭人》 中的新科技不會取代，反而是會幫助、提升、強化演員。這個新科技反而是在替演員、創作者、產業開一條新路。

《獅子王》(The Lion King)

(圖十八)

Kevin Baillie 說 : 《獅子王》特效總監 Rob Legato 做了一個「全虛擬」的非洲世界 (圖十八)，但是一部「全虛擬」電影的危險性是，最後畫面會很容易像「電腦遊戲」，不管畫面多寫實，如果攝影機的運動違背了物理原理，如果畫面中的光線違背了攝影原理，整部片看起來就會不對。

(圖十九)

(圖二十)

(圖二十一)

所以 Rob Legato 與他的團隊設計了一套讓劇組可以在攝影棚中操控的裝置，這個裝置可以接上真實世界的機器手臂 (cranes) (圖十九)、軌道車 (dollies) (圖二十)、穩定器 (steadicam) (圖二十一) 而且會去驅動「虛擬世界」裡的「數位攝影機」，因為「數位攝影機」背後是人在操控，這讓電影中的攝影機運動變的不完美，也讓「全虛擬」的電影多一點我們熟悉的人味。

(Photo via IGN India)

迪士尼近年來不斷將黃金年代的經典手繪動畫重拍成真人版電影，今年終於輪到了《阿拉丁》(Aladdin)，這邊我們不討論改編的好壞，或是角色情節的變化，而是想直接從結果切入，從經典歌舞橋段《Friend like me》的對照影片中來觀察，同樣的故事內容從手繪動畫改編成 CG 寫實電影時，會有哪些設計上的變化？是不是能反映出媒材優勢？能否走出與經典並列甚至超越的新路？期許這些分析能讓我們在遇到類似創作時能有所幫助啟示。

主角

阿拉丁在真人版本的戲份變多很多，92 年版本常常會看到精靈獨舞唱跳、一個人在大變特變的段落，在新版本中幾乎全部拿掉了，主角阿拉丁全場都在，讓觀眾更關注他在這場秀當中的表演魅力與心境變化。

形變

因為 CG 寫實角色動畫的形變難度非常高，缺乏手繪動畫能讓表演信手拈來的優勢，因此精靈的肢體變形與身型變化在新版本中少了非常多，和阿拉丁、各種器物融合變形表演的段落也幾乎全砍了(寫實風格做起來大概也滿怪的)，更多是維持"人形"的表演，甚至許多畫面是與主角阿拉丁保持著相等比例，不像是手繪動畫中有通天本領的超人，更像是主角新認識有著特異魔法的朋友。

透視

取鏡上因為 CG 動畫的特性，新版本有更多鏡位上的嘗試變化，讓畫面景深變得更立體有延伸性，但在角色表演上，受限於真實演員的肢體極限，這方面就是手繪動畫能表現得更淋漓盡致。

光影

目前的主流 CG 影片是透過攝影原理、打光技藝來呈現畫面，讓觀眾快速的抓到視覺焦點，而過往迪士尼黃金年代的手繪動畫則是依賴強大流暢的角色表演，用活潑逗趣的動態來快速抓住觀眾視線。因此在非角色的物件上，像是背景、場景、道具兩邊的處理便會大異其趣，CG 影片會有更多細節，再透過光影來做篩選遮蔽，凸顯演員表演；而手繪動畫則是直接使用簡單的漸層背景，與一桌二椅的象徵道具來帶出情境，避免搶走角色風采。

合時

新版本加入了許多當代的娛樂元素，像是饒舌說唱、流行街舞、浮誇華麗，與手繪版本依賴精靈千變萬化的形變大秀做出區隔，抓住改編當下的熟悉演員與時代氛圍，走出一條新路~

幕後

本片的許多舞蹈部分其實是找來了專業舞者做演員的舞蹈替身，像是這一段的精靈就是由編舞家 Jamal Terry Sims 所擔任，阿拉丁也是由 Nicky Andersen 代跳，因此可以看到精靈舞者的上半身穿滿了給動畫後期團隊用的追蹤點(tracking mark)，而阿拉丁舞者也必須換臉，所以戴了有著追蹤點的帽子。

版本

完整 19 年真人版

完整 92 年動畫版

阿里王子 Prince Ali

本片另一段也很值得研究如何由動畫改編實拍實務的精采段落。

以上皆為筆者個人腦補。
請多指教，歡迎討論~

「父親節」節日特輯企劃。在父親節到來之際，我們精選出 10 支「關於父親」的動畫短片，呈現出來自世界各地不同創作者他們心中的父親樣貌。

父與女 Father And Daughter

應該是名氣最響亮、最廣為人知關於"父親"的動畫短片作品，2000 年奧斯卡最佳動畫短片得主。

束縛 Orgesticulanismus

父親是孩子的太陽，家中穩定的大山，家人在外永遠的避風港，但同時他也是個凡人，依舊有著生老病死的束縛。法國動畫家 Mathieu Labaye 獻給他因疾病困擾而去世的父親 Benoît Labaye 的驚人手繪作品。他的父親從 29 歲時就患上了多發性硬化疾病，40歲開始就得坐上輪椅，最終於 2006 年與世長辭。Mathieu 在片中利用手繪動畫的誇張肆意、不受束縛的形變特性，讓動畫角色飛舞狂奔，跳升急墜，直至超越肉體的癲狂，配上父親描述疾病體悟的口白，以及充滿節奏感的配樂，來探討人類對於肉體束縛的正向意義(淚)。延伸閱讀：有字幕的中文翻譯。

衝吧!爸爸 GO!GO!DADDY

爸爸的生命就像一場跑酷遊戲，為了家人無所畏懼的不斷向前奔跑。北藝大畢業生張庭瑄的畢業創作。【摘錄】老爸一輩子奮鬥開貨車，載著我們這些甜蜜的負擔，又看著我們一個一個啟航飛翔，縱使辛苦也漸漸有點孤單老爸卻天天都很開心很樂觀，他常教我世界就像是一場很棒的遊戲，處處都是驚喜與挑戰，也許偶爾低潮，但只要轉變一下念頭，就會發現生命充滿喜悅與幸福。我想將這次我的個人處女動畫作品，用很輕快的像是遊戲的方式，活潑的去呈現老爸的一生，並獻上我對老爸最深的感謝。

父親 The Father

韓國知名角色設計團體 黏黏怪物研究所(STICKY MONSTER LAB)  的早期動畫作品，描述單親爸爸用心用力撫養小孩，卻因工作忙碌困頓，缺乏時間陪伴孩子長大，父子關係疏離，彼此都不夠瞭解對方，最後形同陌路的悲劇故事。

光之塔 The Lighthouse

台灣動畫導演 紀柏舟 的作品，用燈塔的不變與船的不斷變化來描述遊子追夢的父子親情連結，父親就像燈塔一樣不變、不動搖的支持、看望與守護，直到遊子歸來。後來紀導演成立的動畫工作室「光之塔動畫事業」也以本片為名。

象的背影 象の背中

日本團體 JULEPS 為單曲《旅立つ日》(出發的日子)所特別製作的動畫 MV，原作則是日本作家 秋元康 的一本同名小說。描述一個知道自己死期的大象爸爸(死神好可愛耶)，決定運用剩下不多的時間好好陪伴家人，勇敢面對死亡的暖心故事，歌詞(中文翻譯)也寫得相當感人。

煉金術士父親的最後一封信 The Alchemist’s Letter

人之將死，其言也善。天才鍊金術士在臨終前留給兒子的感人家書，提醒他「愛」的無可磨滅，價值更勝黃金，精緻絕美，令人動容。短片導演 Carlos Andre Stevens 和他的團隊，通過群眾募資的考驗，讓故事得以完整的呈現在我們眼前，為世界再添一部父愛動畫的佳作。AniMapp 延伸閱讀。

轉不回來的溜溜球 Will

關於美國 911 恐怖攻擊事件的感傷故事。透過一段父親留給女兒的臨終電話錄音來訴說父女情感。動畫的光影相當美，音樂也很能推動情緒，讓人不自覺地陷入一種莫名的哀傷氣氛之中。影片是來自韓國 Eusong Lee 在 CalArts 學習時的個人製作。

爸爸 Papa

不善於女兒相處，又想專注工作的天才發明家爸爸，有天發現了一個兩全其美的好方法，那就是做個討喜的機器人爸爸！？來自美國紐約的動畫師 Natalie Labarre 的個人創作，角色設計與表演都非常棒的有趣作品。

負空間 Negative Space

「成年父子情」大概是很普遍但卻相當難表現的一種晦澀情感，角色間總是有著特定的默契與距離感，無法用太多直接的肢體來表現，所以歷來優秀的創作者都用了許多比喻、象徵來描述，像是：朱自清的《背影》、蔡明亮的《河流》，而這支由來自美國羅德島的 Ru Kuwahata、Max Porter 雙人組團隊「Tiny Inventions」所創作的停格動畫短片則是用「打包行李」這個既私密又充滿習慣的動作，來串聯起一對父子的情感連結。AniMapp 延伸閱讀。

世界四大動畫影展

之一的法國安錫國際動畫影展，在長達一周的影展中，每天都有著大大小小不同分類的節目場次，有趣的是，除了射紙飛機活動之外，在每一次節目放映前，開場都會固定播放一支秀出「 Annecy 」字樣的極短篇動畫短片，周一到周五各不相同。這些極短篇的來頭也有個傳統，就是都交由法國最負盛名的動畫學校 GOBELINS 的學生團隊來負責製作，同時也是他們二年級生一展長才的期末作業，將天賦與努力曝光到全世界動畫業界的最佳機會！

今年的 OP 影片主題以「致敬日本」為出發，從五支作品可以看到法國學生對於日本文化風俗的一些觀察與想像，主題涵蓋了文化、生活、飲食、影視...等面相 ，按照慣例每一部影片美術風格都大異其趣，各自精彩。話不多說，就讓我們趕快來欣賞欣賞吧！

東京啟示錄 Tokyo Apocalypse

以特攝片和日本人淡定個性為主題的作品，漫步在城市中決鬥的巨大超級英雄與怪獸和渺小平靜、生活如常的市民形成了相當有趣的強烈對比，超現實光景與日常共存，巨大的反差感讓作品變得意外有張力。背景像是鉛筆畫上色的美術風格也令人驚艷。創作者是：Constance Bertoux, Marion Boisrond, Rodrigo Goulao de Sousa, Chloé Maingé, Mila Monaghan, Adam Sillard。

拉麵 Ramen

以日本代表性食物拉麵為主題，透過烹煮一碗拉麵的動態過程，從劃麵條開始，切蔥、倒醬汁、加湯底、瀝麵條、放糖心蛋，由不同角色串連起日本人們的生活切片。00'26" 顧客的造形似乎是了參考吉卜力的高畑勳導演(笑)。創作者是：Eduardo Adsuara, Gabriel Gérard, Gwendoline Legendre, Marie-Liesse Coumau, Mikai Geronimo。

偶像 Tokyo Idols

以日本流行音樂 J-POP 和少女偶像團體文化為主題的作品，美術風格與分鏡相當特別，有著類似蠟筆混色的塗抹筆觸，以及充滿童趣的人設與線條，搭上誇張的角色表演和鏡頭變化，頗有日本導演湯淺政明的味道。創作者是：Chloé Farr, Pauline Guitton, Lise Légier, Martin Robic, Gabrielle Selnet, Nicolas Verdier。

東京情調 A Taste of Tokyo

以已故歌手坂本九與所處 70 年代日本流行文化為主題的作品。值得一提的是，坂本九是唯一曾登上過美國告示榜 BillboardHot 100 三周冠軍的日本歌手，這個紀錄迄今超過 50 年無人能破，成名過程相當有意思，歌曲是《上を向いて歩こう》。創作者有：Laurine BAILLE ; Magali DUNYACH ; Brenda KLEIMAN ; Quentin RIGAUX ; Claire SUN。

戰場 Senjo

以日本 50 年代電影外景現場為主題的作品，片中角色很明顯有日本知名導演黑澤明的影子，故事背景設定在日本大河劇戰爭場面的取景勝地 -神奈川箱根的仙石原，一整片芒草草原為其特色。創作者有：Tamerlan BEKMURZAYEV Camille BOZEC Antoine CARRE Ada HERNAEZ Pauline MAUVIERE Alexandra PETIT。

2018 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2017 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2016 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2015 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2014 Annecy 安錫影展片頭動畫集

世界四大動畫影展

之一的法國安錫國際動畫影展，在長達一周的影展中，每天都有著大大小小不同分類的節目場次，有趣的是，除了射紙飛機活動之外，在每一次節目放映前，開場都會固定播放兩支短片：一支是影展贊助商介紹影片，另一支則是周一到周五各不同的秀出「 安錫 Annecy 」字樣的極短篇動畫短片。這些極短篇的來頭也有個傳統，就是都交由法國最負盛名的動畫學校 GOBELINS 的學生團隊來負責製作，同時也是他們二年級生一展長才的學期作業，曝光到全世界動畫業界的最佳管道！

今年的 OP 影片主題以「致敬巴西」為出發，從五支作品可以看到法國學生對於巴西文化風俗的一些觀察與想像，主題涵蓋了生活、信仰、土地、文化、節慶...等等 ，按照慣例每一部影片美術風格都大異其趣，各自精彩。話不多說，就讓我們趕快來欣賞欣賞吧！

Bom dia Rio 里約生活

巴西首都里約熱內盧的生活切片，用彩色素描般的動畫風格描繪這座巨大城市的居民群像：生活步調、工作休閒、穿著日常、宗教健身。創作者是：Simon Cadilhac, Victor Chagniot, Nathan Crabot, Dongsan Kim, Théo Tran NGoc。

lemanjá 巴西媽祖

巴西傳統信仰中的海洋女神，祭拜儀式過程中有獨特的節奏與歌曲相伴，特色是立起巨大的女神塑像，並將鮮花裝籃送入海中(圖圖圖圖)。動畫裡隨波起伏的柔和線條、忽隱忽現的人物界線，以及乳化和諧的溫暖色調令人印象深刻，有趣的是還額外記錄了祭典背後寫實的一面：百無聊賴的男子、鋁罐菸屁股與海灘垃圾、虔誠真摯的孩子與婦女們。創作者是：Camille BROUTIN, Lorenzo FRESTA, Louis HOLMES, Sandy LACHKAR, Agathe LEROUX, Mandimby LEBON, Olga SERDYUKOVA。

SICALE 小黃鳥

森林破壞鳥先知~ 要暗示有不好的事要發生時，常見的一種鏡頭便是樹林中最敏銳自由的鳥群率先紛飛逃離。這支短片透過前後呼應的小鳥角色，帶我們一路看到森林被入侵破壞，巴西原住民被迫積極地坐上長途巴士離鄉背井，來到陌生城市為了土地環境與權益抗爭，而城市裡的政客、警察、居民卻各自扮演著疏離無知天真的角色。創作者是：Clara DANJOUX, Grégoire DE BERNOUIS, Maxime JOUNIOT, Jade KHOO, Camille LETOUZE, Léa REY-MAUZAIZE。
延伸閱讀：巴西原住民抗議行動現場：催淚瓦斯之下，我們吟唱

BUMBA MEU BOI 本巴牛

巴西結合古代傳統與現代精神的傳統節慶，特色是會有表演者類似舞龍舞獅一般的舞動牛隻斗篷，動畫用舞蹈的連續動作來做轉場切換，銜接古今陰陽，俐落動感。創作者是：Michelle ONG, Emilie DAMIENS, Victoria GREGORY DE MILLO, Manon CANSELL, Jeanne HAMMEL, Hortense MARIANO。
延伸閱讀：Bumba-Meu-Boi│本巴牛

2 Degrés Sud 南瑋 2 度

穿過巴西亞馬遜叢林的心臟地帶，科學家正在調查地球上最後一塊人跡罕至的淨土，發現了許多未知瑰麗的神秘物種，森林諦聽。創作者是：Matthieu Daures, Juliette Brocal, Jawed Boudaoud, Sophie Barocas, Margaux Cazal, Valerie Kao, Edward Kurchevsky。

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