改編經典遊戲的真人實拍電影《音速小子》自開拍以來話題不斷，其中又以去年公開的預告角色造型被批評的最為慘烈，體無完膚，後面還經歷了角色大改、預算猛增與上映延期，因此票房也被許多網友、影評甚至同業看衰。但上周在北美上映後卻意外開出紅盤，首週以 5700 萬鎂的驚人成績拿下冠軍寶座，甚至超越了 19 年上映的《名偵探皮卡丘》，創下了遊戲改編電影類型的首周票房歷史紀錄，目前上映八天全球累計票房已經來到 1.25 億鎂。

半年之間從惡評如潮到叫好賣座，又是電影市場不太討喜的電玩改編題材，《音速小子》是如何做到的呢，於是小編研究了一番，腦補了五種可能，拋轉引玉：

五百萬鎂整形成功

《音速小子》原本預計在去年 11 月上映，但當時公開的預告影片中，主角 Sonic 的造型太過奇葩：纖細過長的手腿身體，眼睛過小眼距太寬，有著不討喜的寫實肌肉與特徵，各種詭異錯置的恐怖谷設計，引來了全球玩家觀眾排山倒海的嘲諷批評。

面對一面倒的負評，製片公司派拉蒙與遊戲公司 SEGA 果斷延後了電影上映日期，找來美國有名的《音速小子》二創插畫家 Tyson Hesse 做新設計總監，並且多花了 500 萬鎂幫主角打掉重練(整體預算達到 8500 萬鎂，但以 CG 動畫長片來說並不算高)，如今看來，成效斐然。

Jim Carrey 超 Carry

飾演反派蛋頭博士的金凱瑞( Jim Carrey )過去的演技與特質顯然非常適合這個角色，預告中的演出表現在網路上大受歡迎，讓人想到他全盛時期膾炙人口的經典演出，金凱瑞為了表演好這個 IQ300 的邪惡博士，甚至還拜訪了科學家霍金來取經。神經質的快人快語，喜怒難測的陰晴不定，都讓人聯想到他過去的經典作品《摩登大聖》。

冷門的上映檔期

通常動畫大片或是遊戲改編電影都會選擇在「學生放長假」的檔期上映，像是寒暑假、聖誕節、感恩節、春假都是熱門檔期，而《音速小子》則因為檔期延後了 3 個多月，因此只能選擇在比較冷門的美國總統紀念日暨情人節檔期上映，雖然是比較不尋常的操作，但也因此避開了其他親子或青少年導向的娛樂大片來競爭，變成獨佔類型的強片，而目前大概要等到3月初春假檔期的皮克斯原創新片《1/2的魔法》上映後才有對手。

音速小子的魅力

遊戲《音速小子》在 1991 年登場後，就坐穩了 SEGA 的當家明星至今，玩家粉絲遍布全球，不少人都有著那種對經典的共同記億。因此，電影最後能以寫實討喜的造型還原，就能重新獲得強大 IP 的加乘紅利，而且當年受音速小子影響的小孩如今都長大變成父母，熟悉的角色主題又有經濟大權的他們，更有可能帶著孩子們進戲院去重溫回億。經典的遊戲角色也能為電影籌備帶來許多好處，像是招募知名演員參演，或是行銷廣告中找來一線明星運動員。

導演 Jeff Fowler 與 Blur

本片是他的第一部長片作品，因此可能他也比較具有修改彈性，當初面對排山倒海的批評時，就是他率先在 twitter 上公開表示聽見粉絲心聲，並且保證會做出相對應的調整改變。他過去本身是 3D 動畫師與特效藝術家，最有名而且很具娛樂性的導演作品其實是一支在 2004 年由 Blur 工作室負責製作的喜劇動畫短片《Gopher Broke》，當時有入圍奧斯卡最佳動畫短片獎的決選名單，以及另一部也是由 Blur 負責製作的《A Gentlemen's Duel》，而且也是喜劇動畫短片。

如此一來，可以知道 Jeff Fowler 擅長喜劇，不會無視觀眾反應，有著第一線的動畫實戰經驗，而且與知名後期工作室 Blur 關係匪淺，Blur 這次也有參與《音速小子》的動畫與後期統籌，創辦人 Tim Miller (電影《死侍》的導演)同時也掛名執行製片之一，也許這層關係讓這次《音速小子》遇上了「整形危機」得以快速順利的做出正確決定，他在近期也對於票房佳績給了 Blur 雙關的大感謝。

參考資料：

‘Sonic The Hedgehog’ Is Set To Speed To The Top Of The Box Office

‘Sonic The Hedgehog’ Lands Best Ever Opening For A Video Game Movie

© all photos courtesy of WIRED / MPC / Disney / ILM / Weta Digital / Digital Domain / The Oscars 2020 / 92nd Academy Awards

( 圖一 )

本文講者 Kevin Baillie 是 Atomic Fiction 創辦人 / Method Studios 視效總監 (圖一)

Kevin Baillie 說 : 今年奧斯卡最佳視覺效果獎的入圍名單非常精彩，因為整個名單非常多元，涵蓋的技術包羅萬象。有數位角色的特效 (digital characters)、有把人變年輕的特效 (de-aging)、有隱形的特效 (invisible effects)、有實拍的特效 (practical effects)、也有把實拍攝影導入虛擬製程的特效 (virtual production)。

《復仇者聯盟 4：終局之戰》 (Avengers : Endgame)

( 圖二 )

Kevin Baillie 說 : 為了體現教授浩克 (Smart Hulk) 這個全新的角色，特效團隊運用了最新的人工智慧技術。以前的動態捕捉，角色的表演是由演員臉上的點所驅動的，但這些點與點之間時常會有遺漏的資訊，導致整個角色看起來假假的，但現在因為有機器學習 (machine learning) 我們可以教電腦，臉應該要怎麼動，所以當演員頭戴攝影機，臉上貼點表演時 (圖二)，其實捕捉的資訊不用太多，只要把演員表演的要旨輸入到機器學習的演算法 (maching learning algorithms) 裡，電腦就會去自動分析，臉應該要怎麼動，自動把點與點之間沒捕捉到的資訊補齊，最後這些資訊就會變成教授浩克 (Smart Hulk) 傳神的表演。

(圖三)

(圖四)

(圖五)

但是表演要傳神，其實機器學習 (machine learning) 的前製作業是要花非常多時間的。我們須要給電腦大量的資訊，我們叫這些資訊「訓練資料」 (training data) 。我們會先用非常高解析度的攝影機把演員的 3D 樣貌掃描出來 (圖三)，然後會再請演員做出各種不同的表情變化  (facial range of motion) 例如哭到笑、笑到氣 (圖四) ，這是最花時間的步驟，然後我們會再把上百種表情下，毛細孔、肌肉、皺紋的變化全部輸入到電腦中 (圖五)，這會用掉億萬位元組的資訊 (terabytes of data) ，這讓我們可以只要捕捉少量的「現場資料」，再比對大量的「訓練資料」就能塑造出傳神的數位角色。

《星際大戰：天行者的崛起》(Star Wars : The Rise of Skywalker)

(圖六)

(圖七)

Kevin Baillie 說 : 《星際大戰》是奇幻電影的代表作，但為了讓人們相信這個奇幻世界是真的，它的特效就必須更寫實。這部片花了非常大的力氣去執行這件事，所以它用了非常多的機械木偶、實拍模型 (圖六)、真實搭景 (圖七)。我覺得完美結合實拍跟後製一直都存在星際大戰的基因中 (Star Wars DNA)，所以決定那些地方要用實拍的、哪些地方要用後製的，永遠都是這一系列電影的一大挑戰。

(圖八)

(圖九)

有一場發生在海中死星上的戲，特效總監 Roger Guyette 和他的團隊就必須決定哪些海水要用真的，哪些要用後製作的，最後他們決定保留少部分真的海水，大部份海水都用後製的 (圖八)。對特效團隊來說最重要的是，演員能跟真的東西互動，像那些激起的浪花，真的濺到演員身上 (圖九)，是最後特效看起來寫實的關鍵。

我在做星際大戰第一集的時候，有些技術還未成熟，我們當時會問，這個東西做得出來嗎? 但是現在技術已經進步很多了，我們就應該問，這個東西要怎麼做才比較恰當。我認為《星際大戰》是特效用的恰如其分的最好範例。

《1917》(1917)

Kevin Baillie 說 : 如果你認為《1917》沒有用到什麼特效，那你就大錯特錯了，這部片從頭到尾都是特效，這是一部一鏡到底，看起來像沒有剪接的電影，光是這點特效團隊就要花非常多的功夫。這部片在各種不同的景點拍攝，有室外、有室內、也有片場，也在不同的時段拍攝，有清晨、有中午、有晚上，如何把這一切銜接起來，讓它看起來是順暢的，全要歸功於特效團隊。

(圖十)

(圖十一)

(圖十二)

談到銜接，有一場主角從一個村莊中逃出，從一座橋上跳下，落入一個喘急河流中的戲，主角在橋上時是真人 (圖十)，往下跳時變成數位人 (圖十一)，到河流中又變回真人 (圖十二)，這一切都是一鏡到底，但卻是在不同日子、不同地點拍的，這只是數千個要花數百個小時完成的特效鏡頭中的一個例子。

(圖十三)

除了角色的銜接，場景也要花非常多功夫製作，這部片發生在一戰時期，像地上的坑洞、廢鐵、坦克、子彈全都是用特效做的 (圖十三)，但這些特效一點都不浮誇，也可以說根本看不出是特效，我們叫這種特效「隱形的特效」，它是輔助故事用的，而不是故事本身，這反而是我最喜歡的特效類型。

《愛爾蘭人》(The Irishman)

(圖十四)

(圖十五)

Kevin Baillie 說 :《愛爾蘭人》是一部角色會歷經青年、中年、老年不同人生階段的電影，這部片也因為這項「把演員變年輕」 (de-aging) 的技術而入圍這次的奧斯卡，但 Martin Scorsese 不想用到動態捕捉，他只想像一部正常電影一樣拍攝這部片，於是特效總監 Pablo Helman 和他的團隊就寫了一個叫 Flux 的軟體。這個軟體取材於現場演員真實的表演，然後它會把一個年輕版的數位面具貼到真實演員的臉上 (圖十四)，然後這個數位面具會再參考演員年輕時的影片與照片下去製作 (圖十五)，最後為了讓這個數位面具能成功定位，他們會用不只一台，而是三台攝影機拍攝 (圖十六)。

(圖十六)

中間的攝影機是一台正常的攝影機，然後兩旁的側拍機 (witness camera) 能拍出紅外線影像 (infrared footage) (圖十七)，所以就算導演為了氣氛，演員有一半的臉在陰影中，紅外線還是能順利捕捉到角色完整的輪廓，成功做出年輕版的數位人。

(圖十七)

我認為演員能成功演出年輕版的自己，對產業後續發展影響很大，或許未來選角就可以只看個性，不用顧慮到年紀。但有人就會問，用數位人取代演員有道德上的問題嗎? 我認為數位人是不可能取代演員的，《愛爾蘭人》就是最好的證明，再厲害的特效都做不出 Robert Deniro 那種層次的表演，觀眾有共鳴的也一直都是演員真誠的表演，所以我覺得《愛爾蘭人》 中的新科技不會取代，反而是會幫助、提升、強化演員。這個新科技反而是在替演員、創作者、產業開一條新路。

《獅子王》(The Lion King)

(圖十八)

Kevin Baillie 說 : 《獅子王》特效總監 Rob Legato 做了一個「全虛擬」的非洲世界 (圖十八)，但是一部「全虛擬」電影的危險性是，最後畫面會很容易像「電腦遊戲」，不管畫面多寫實，如果攝影機的運動違背了物理原理，如果畫面中的光線違背了攝影原理，整部片看起來就會不對。

(圖十九)

(圖二十)

(圖二十一)

所以 Rob Legato 與他的團隊設計了一套讓劇組可以在攝影棚中操控的裝置，這個裝置可以接上真實世界的機器手臂 (cranes) (圖十九)、軌道車 (dollies) (圖二十)、穩定器 (steadicam) (圖二十一) 而且會去驅動「虛擬世界」裡的「數位攝影機」，因為「數位攝影機」背後是人在操控，這讓電影中的攝影機運動變的不完美，也讓「全虛擬」的電影多一點我們熟悉的人味。

(Photo via IGN India)

迪士尼近年來不斷將黃金年代的經典手繪動畫重拍成真人版電影，今年終於輪到了《阿拉丁》(Aladdin)，這邊我們不討論改編的好壞，或是角色情節的變化，而是想直接從結果切入，從經典歌舞橋段《Friend like me》的對照影片中來觀察，同樣的故事內容從手繪動畫改編成 CG 寫實電影時，會有哪些設計上的變化？是不是能反映出媒材優勢？能否走出與經典並列甚至超越的新路？期許這些分析能讓我們在遇到類似創作時能有所幫助啟示。

主角

阿拉丁在真人版本的戲份變多很多，92 年版本常常會看到精靈獨舞唱跳、一個人在大變特變的段落，在新版本中幾乎全部拿掉了，主角阿拉丁全場都在，讓觀眾更關注他在這場秀當中的表演魅力與心境變化。

形變

因為 CG 寫實角色動畫的形變難度非常高，缺乏手繪動畫能讓表演信手拈來的優勢，因此精靈的肢體變形與身型變化在新版本中少了非常多，和阿拉丁、各種器物融合變形表演的段落也幾乎全砍了(寫實風格做起來大概也滿怪的)，更多是維持"人形"的表演，甚至許多畫面是與主角阿拉丁保持著相等比例，不像是手繪動畫中有通天本領的超人，更像是主角新認識有著特異魔法的朋友。

透視

取鏡上因為 CG 動畫的特性，新版本有更多鏡位上的嘗試變化，讓畫面景深變得更立體有延伸性，但在角色表演上，受限於真實演員的肢體極限，這方面就是手繪動畫能表現得更淋漓盡致。

光影

目前的主流 CG 影片是透過攝影原理、打光技藝來呈現畫面，讓觀眾快速的抓到視覺焦點，而過往迪士尼黃金年代的手繪動畫則是依賴強大流暢的角色表演，用活潑逗趣的動態來快速抓住觀眾視線。因此在非角色的物件上，像是背景、場景、道具兩邊的處理便會大異其趣，CG 影片會有更多細節，再透過光影來做篩選遮蔽，凸顯演員表演；而手繪動畫則是直接使用簡單的漸層背景，與一桌二椅的象徵道具來帶出情境，避免搶走角色風采。

合時

新版本加入了許多當代的娛樂元素，像是饒舌說唱、流行街舞、浮誇華麗，與手繪版本依賴精靈千變萬化的形變大秀做出區隔，抓住改編當下的熟悉演員與時代氛圍，走出一條新路~

幕後

本片的許多舞蹈部分其實是找來了專業舞者做演員的舞蹈替身，像是這一段的精靈就是由編舞家 Jamal Terry Sims 所擔任，阿拉丁也是由 Nicky Andersen 代跳，因此可以看到精靈舞者的上半身穿滿了給動畫後期團隊用的追蹤點(tracking mark)，而阿拉丁舞者也必須換臉，所以戴了有著追蹤點的帽子。

版本

完整 19 年真人版

完整 92 年動畫版

阿里王子 Prince Ali

本片另一段也很值得研究如何由動畫改編實拍實務的精采段落。

以上皆為筆者個人腦補。
請多指教，歡迎討論~

「父親節」節日特輯企劃。在父親節到來之際，我們精選出 10 支「關於父親」的動畫短片，呈現出來自世界各地不同創作者他們心中的父親樣貌。

父與女 Father And Daughter

應該是名氣最響亮、最廣為人知關於"父親"的動畫短片作品，2000 年奧斯卡最佳動畫短片得主。

束縛 Orgesticulanismus

父親是孩子的太陽，家中穩定的大山，家人在外永遠的避風港，但同時他也是個凡人，依舊有著生老病死的束縛。法國動畫家 Mathieu Labaye 獻給他因疾病困擾而去世的父親 Benoît Labaye 的驚人手繪作品。他的父親從 29 歲時就患上了多發性硬化疾病，40歲開始就得坐上輪椅，最終於 2006 年與世長辭。Mathieu 在片中利用手繪動畫的誇張肆意、不受束縛的形變特性，讓動畫角色飛舞狂奔，跳升急墜，直至超越肉體的癲狂，配上父親描述疾病體悟的口白，以及充滿節奏感的配樂，來探討人類對於肉體束縛的正向意義(淚)。延伸閱讀：有字幕的中文翻譯。

衝吧!爸爸 GO!GO!DADDY

爸爸的生命就像一場跑酷遊戲，為了家人無所畏懼的不斷向前奔跑。北藝大畢業生張庭瑄的畢業創作。【摘錄】老爸一輩子奮鬥開貨車，載著我們這些甜蜜的負擔，又看著我們一個一個啟航飛翔，縱使辛苦也漸漸有點孤單老爸卻天天都很開心很樂觀，他常教我世界就像是一場很棒的遊戲，處處都是驚喜與挑戰，也許偶爾低潮，但只要轉變一下念頭，就會發現生命充滿喜悅與幸福。我想將這次我的個人處女動畫作品，用很輕快的像是遊戲的方式，活潑的去呈現老爸的一生，並獻上我對老爸最深的感謝。

父親 The Father

韓國知名角色設計團體 黏黏怪物研究所(STICKY MONSTER LAB)  的早期動畫作品，描述單親爸爸用心用力撫養小孩，卻因工作忙碌困頓，缺乏時間陪伴孩子長大，父子關係疏離，彼此都不夠瞭解對方，最後形同陌路的悲劇故事。

光之塔 The Lighthouse

台灣動畫導演 紀柏舟 的作品，用燈塔的不變與船的不斷變化來描述遊子追夢的父子親情連結，父親就像燈塔一樣不變、不動搖的支持、看望與守護，直到遊子歸來。後來紀導演成立的動畫工作室「光之塔動畫事業」也以本片為名。

象的背影 象の背中

日本團體 JULEPS 為單曲《旅立つ日》(出發的日子)所特別製作的動畫 MV，原作則是日本作家 秋元康 的一本同名小說。描述一個知道自己死期的大象爸爸(死神好可愛耶)，決定運用剩下不多的時間好好陪伴家人，勇敢面對死亡的暖心故事，歌詞(中文翻譯)也寫得相當感人。

煉金術士父親的最後一封信 The Alchemist’s Letter

人之將死，其言也善。天才鍊金術士在臨終前留給兒子的感人家書，提醒他「愛」的無可磨滅，價值更勝黃金，精緻絕美，令人動容。短片導演 Carlos Andre Stevens 和他的團隊，通過群眾募資的考驗，讓故事得以完整的呈現在我們眼前，為世界再添一部父愛動畫的佳作。AniMapp 延伸閱讀。

轉不回來的溜溜球 Will

關於美國 911 恐怖攻擊事件的感傷故事。透過一段父親留給女兒的臨終電話錄音來訴說父女情感。動畫的光影相當美，音樂也很能推動情緒，讓人不自覺地陷入一種莫名的哀傷氣氛之中。影片是來自韓國 Eusong Lee 在 CalArts 學習時的個人製作。

爸爸 Papa

不善於女兒相處，又想專注工作的天才發明家爸爸，有天發現了一個兩全其美的好方法，那就是做個討喜的機器人爸爸！？來自美國紐約的動畫師 Natalie Labarre 的個人創作，角色設計與表演都非常棒的有趣作品。

負空間 Negative Space

「成年父子情」大概是很普遍但卻相當難表現的一種晦澀情感，角色間總是有著特定的默契與距離感，無法用太多直接的肢體來表現，所以歷來優秀的創作者都用了許多比喻、象徵來描述，像是：朱自清的《背影》、蔡明亮的《河流》，而這支由來自美國羅德島的 Ru Kuwahata、Max Porter 雙人組團隊「Tiny Inventions」所創作的停格動畫短片則是用「打包行李」這個既私密又充滿習慣的動作，來串聯起一對父子的情感連結。AniMapp 延伸閱讀。

世界四大動畫影展

之一的法國安錫國際動畫影展，在長達一周的影展中，每天都有著大大小小不同分類的節目場次，有趣的是，除了射紙飛機活動之外，在每一次節目放映前，開場都會固定播放一支秀出「 Annecy 」字樣的極短篇動畫短片，周一到周五各不相同。這些極短篇的來頭也有個傳統，就是都交由法國最負盛名的動畫學校 GOBELINS 的學生團隊來負責製作，同時也是他們二年級生一展長才的期末作業，將天賦與努力曝光到全世界動畫業界的最佳機會！

今年的 OP 影片主題以「致敬日本」為出發，從五支作品可以看到法國學生對於日本文化風俗的一些觀察與想像，主題涵蓋了文化、生活、飲食、影視...等面相 ，按照慣例每一部影片美術風格都大異其趣，各自精彩。話不多說，就讓我們趕快來欣賞欣賞吧！

東京啟示錄 Tokyo Apocalypse

以特攝片和日本人淡定個性為主題的作品，漫步在城市中決鬥的巨大超級英雄與怪獸和渺小平靜、生活如常的市民形成了相當有趣的強烈對比，超現實光景與日常共存，巨大的反差感讓作品變得意外有張力。背景像是鉛筆畫上色的美術風格也令人驚艷。創作者是：Constance Bertoux, Marion Boisrond, Rodrigo Goulao de Sousa, Chloé Maingé, Mila Monaghan, Adam Sillard。

拉麵 Ramen

以日本代表性食物拉麵為主題，透過烹煮一碗拉麵的動態過程，從劃麵條開始，切蔥、倒醬汁、加湯底、瀝麵條、放糖心蛋，由不同角色串連起日本人們的生活切片。00'26" 顧客的造形似乎是了參考吉卜力的高畑勳導演(笑)。創作者是：Eduardo Adsuara, Gabriel Gérard, Gwendoline Legendre, Marie-Liesse Coumau, Mikai Geronimo。

偶像 Tokyo Idols

以日本流行音樂 J-POP 和少女偶像團體文化為主題的作品，美術風格與分鏡相當特別，有著類似蠟筆混色的塗抹筆觸，以及充滿童趣的人設與線條，搭上誇張的角色表演和鏡頭變化，頗有日本導演湯淺政明的味道。創作者是：Chloé Farr, Pauline Guitton, Lise Légier, Martin Robic, Gabrielle Selnet, Nicolas Verdier。

東京情調 A Taste of Tokyo

以已故歌手坂本九與所處 70 年代日本流行文化為主題的作品。值得一提的是，坂本九是唯一曾登上過美國告示榜 BillboardHot 100 三周冠軍的日本歌手，這個紀錄迄今超過 50 年無人能破，成名過程相當有意思，歌曲是《上を向いて歩こう》。創作者有：Laurine BAILLE ; Magali DUNYACH ; Brenda KLEIMAN ; Quentin RIGAUX ; Claire SUN。

戰場 Senjo

以日本 50 年代電影外景現場為主題的作品，片中角色很明顯有日本知名導演黑澤明的影子，故事背景設定在日本大河劇戰爭場面的取景勝地 -神奈川箱根的仙石原，一整片芒草草原為其特色。創作者有：Tamerlan BEKMURZAYEV Camille BOZEC Antoine CARRE Ada HERNAEZ Pauline MAUVIERE Alexandra PETIT。

2018 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2017 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2016 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2015 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2014 Annecy 安錫影展片頭動畫集

世界四大動畫影展

之一的法國安錫國際動畫影展，在長達一周的影展中，每天都有著大大小小不同分類的節目場次，有趣的是，除了射紙飛機活動之外，在每一次節目放映前，開場都會固定播放兩支短片：一支是影展贊助商介紹影片，另一支則是周一到周五各不同的秀出「 安錫 Annecy 」字樣的極短篇動畫短片。這些極短篇的來頭也有個傳統，就是都交由法國最負盛名的動畫學校 GOBELINS 的學生團隊來負責製作，同時也是他們二年級生一展長才的學期作業，曝光到全世界動畫業界的最佳管道！

今年的 OP 影片主題以「致敬巴西」為出發，從五支作品可以看到法國學生對於巴西文化風俗的一些觀察與想像，主題涵蓋了生活、信仰、土地、文化、節慶...等等 ，按照慣例每一部影片美術風格都大異其趣，各自精彩。話不多說，就讓我們趕快來欣賞欣賞吧！

Bom dia Rio 里約生活

巴西首都里約熱內盧的生活切片，用彩色素描般的動畫風格描繪這座巨大城市的居民群像：生活步調、工作休閒、穿著日常、宗教健身。創作者是：Simon Cadilhac, Victor Chagniot, Nathan Crabot, Dongsan Kim, Théo Tran NGoc。

lemanjá 巴西媽祖

巴西傳統信仰中的海洋女神，祭拜儀式過程中有獨特的節奏與歌曲相伴，特色是立起巨大的女神塑像，並將鮮花裝籃送入海中(圖圖圖圖)。動畫裡隨波起伏的柔和線條、忽隱忽現的人物界線，以及乳化和諧的溫暖色調令人印象深刻，有趣的是還額外記錄了祭典背後寫實的一面：百無聊賴的男子、鋁罐菸屁股與海灘垃圾、虔誠真摯的孩子與婦女們。創作者是：Camille BROUTIN, Lorenzo FRESTA, Louis HOLMES, Sandy LACHKAR, Agathe LEROUX, Mandimby LEBON, Olga SERDYUKOVA。

SICALE 小黃鳥

森林破壞鳥先知~ 要暗示有不好的事要發生時，常見的一種鏡頭便是樹林中最敏銳自由的鳥群率先紛飛逃離。這支短片透過前後呼應的小鳥角色，帶我們一路看到森林被入侵破壞，巴西原住民被迫積極地坐上長途巴士離鄉背井，來到陌生城市為了土地環境與權益抗爭，而城市裡的政客、警察、居民卻各自扮演著疏離無知天真的角色。創作者是：Clara DANJOUX, Grégoire DE BERNOUIS, Maxime JOUNIOT, Jade KHOO, Camille LETOUZE, Léa REY-MAUZAIZE。
延伸閱讀：巴西原住民抗議行動現場：催淚瓦斯之下，我們吟唱

BUMBA MEU BOI 本巴牛

巴西結合古代傳統與現代精神的傳統節慶，特色是會有表演者類似舞龍舞獅一般的舞動牛隻斗篷，動畫用舞蹈的連續動作來做轉場切換，銜接古今陰陽，俐落動感。創作者是：Michelle ONG, Emilie DAMIENS, Victoria GREGORY DE MILLO, Manon CANSELL, Jeanne HAMMEL, Hortense MARIANO。
延伸閱讀：Bumba-Meu-Boi│本巴牛

2 Degrés Sud 南瑋 2 度

穿過巴西亞馬遜叢林的心臟地帶，科學家正在調查地球上最後一塊人跡罕至的淨土，發現了許多未知瑰麗的神秘物種，森林諦聽。創作者是：Matthieu Daures, Juliette Brocal, Jawed Boudaoud, Sophie Barocas, Margaux Cazal, Valerie Kao, Edward Kurchevsky。

2017 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2016 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2015 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2014 Annecy 安錫影展片頭動畫集

雖然台灣金馬已經邁入第 54 個年頭，但這卻還只是第二屆的最佳動畫短片獎，對一般大眾來說，動畫短片還是相當陌生的影像類型，但從台灣多數動畫作者來看，動畫短片卻是最熟悉、投入人次最多與能量最強的創作領域，也是受到最多國際肯定與注目的動畫創作類型。本次入圍名單有來自兩岸三地的五件作品，風格、故事、創作媒材都大異其趣，正好呈現動畫短片繽紛多元、無所不談的美好特色。

（迷）留 ST(R)AY

美國紐約 School of Visual Arts 的台灣留學生 姚江 的導演作品，品質相當不錯的 3D 角色動畫短片。故事從一位駱駝先生在沙漠裡尋找失蹤的妻子出發，宛如夢境般的情境與插曲撲來，會飛的吐鈔公事包，無處不在的沙子(時間)，用來具像化記憶的破損照片，企圖描繪失智者的混亂，並從中找尋生命裡最重要的事物。

特別感謝本片製片 江宜儒 提供小編公關票欣賞本屆入圍短片，您對本篇文章的貢獻功不可沒。
（迷）留官網

暗房夜空 Losing Sight of A Longed Place

本屆最佳動畫短片獎得主，香港三位大學生 石家俊、黃俊朗、黃梓瑩 的共同創作。引述 香港動畫地圖 的介紹：故事訴說一名積極投身香港同志運動的年輕人 Adam 的真人真事。3 位導演受 Anca Damian 的《The Magic Mountain》（一套關於波蘭反共藝術家 Adam Jacek Winkler 的動畫）啟發，決定訪問香港的性小眾，製作紀實動畫。短片以很簡潔的手繪動畫演出，好 raw 的表達手法，令觀眾覺得故事更真實，更貼近受訪者。作品配合隱晦而帶詩意的畫面和敘事手法，在家庭矛盾和同運經歷相映下，道出主角對生活的無力感。

雖然故事的收梢是灰暗的，但是三位導演選擇以光明為短片作結。黃俊朗曾在訪問中這樣說：「在香港制度之中，香港人有時想積極爭取些什麼，卻很無力，常常在爭取過後仍無結果，但我們認為，即使無力，有些事仍應該在當下就去做。」黃梓瑩表示：「這部片子能在台灣得獎對我們特別意義重大，我覺得要改變一個人很難，但改變一個社會更難。台灣今天給我們能看到希望。真的，我要代表很多小眾感謝。」

基石 Fundamental

台灣藝術大學多媒所研究生 邱士杰 的畢業製作，以自身生命經驗為基底，運用黑白兩色的反差風格，快節奏的帶出各種年輕人受宗教影響的荒謬情境，探討非黑即白的二元信仰世界，禁錮生命、扭曲事物的封閉困境。動畫風格犀利流暢，議題針對性極強，幽默尖銳紛呈，結尾不俗，將敘事格局擴大並貼合實情現況。音樂音效在本片中也扮演了重要角色，在影像快速換場間引導觀眾不致迷失，甚至能對故事更感同身受，聲音創作團隊為紋聲音樂工作室。
【N文藝】信仰不是枷鎖　邱士杰以動畫向童年道別

啟示錄-霧霾之城 Revelation-The City of Haze

來自中國成都的導演 毛啟超 及其團隊 魔法動畫 工作室的精彩作品。故事世界觀浩大，末世龐克的場景設計豐富仔細，頗有科幻經典《攻殼機動隊》的風格味道，片長長達 14 分鐘， 描述核災過後人們生活的艱困風景，人類逐漸被機器人取代，水變成了稀缺資源，空氣汙濁難忍，暴亂騷動家常便飯，劇情主線集中在一對偶遇相互扶持的男女主角身上，全片有著電影前導片的企圖格局。值得一提的是，本片用 3D 角色動畫模擬逐格偶動畫抽格動態的技巧細膩高超，連衣服的飄動細節都有顧到，相當厲害。
「動畫短片在中國沒有市場，沒有任何商業回報，但這是魔法團隊證明自己存在的唯一途徑。」

關於他的故事 Stories About Him

台南藝術大學動畫藝術與影像美學研究所學生 楊詠亘 的畢業作品，今年台北電影節最佳動畫短片、台中國際動畫影展台灣短片獎雙料得主。故事主線圍繞在創作者自述 拚湊祖父的真實樣貌上，敘事樸實真切，時而驚奇時而趣味，創作媒材複合多元，風格精彩紛呈，除了有很有親切感的美術創作為基底之外，還加入了生活中各種充滿記憶的媒材來，像是：報紙、剪紙、黏土、布匹、相片、玻璃珠...等等，透過追索家中長輩的生命軌跡，帶出一家子半世紀的情感記憶，以及台灣社會經濟的重大事件與歷史變遷。
【N文藝】走入「他」的過去　楊詠亘用動畫展開尋根之旅

去年金馬獎動畫長片再次從缺，還好今年又有三部作品入圍，都是實至名歸的佳作，並且還有一部台灣主導的原創動畫長片，究竟有哪些好片？最後又是獎落誰家？就讓我們一起來看看吧！

大世界

本屆金馬獎最佳動畫長片得主，也是第一次有中國動畫長片入圍世界三大影展 -柏林影展的主競賽單元。視覺風格寫實粗放，故事情節離奇荒誕，影像充滿了黑色冷酷氛圍，但因為一切都還在實拍電影能表現的範疇之內，不過動畫在這裡還是有一點能超越實拍電影，那就是能賦予創作者完全的控制權，不受拍片現實、選角限制、與演員表現所影響，與此呼應的是，本片居然是由導演劉健一人獨力完成，導演對於畫面氛圍與動態節奏的掌握，有著極其獨到之處。上部個人電影作品《刺痛我》已經在法國安錫影展獲得入圍肯定，這次《大世界》更上層樓，在世界各大影展都取得突破性的好成績。

故事

【摘錄】從建築工地的工人小張盜走公款一百萬開始，老闆派出殺手「瘦皮」追討，意外牽動毫不相干的各路人馬，各種狹路相逢，要攔截紅到發燙的人民幣。追逐過程以多線敘事展開，殺機四起。眾人過了一會兒才理解小張原來是因為未婚妻整形失敗，鋌而走險要帶她去韓國整形；原來整件事的緣起，亦是荒謬無邊。於是關鍵字浮出：黑道，殺手，搶案，黑色電影，帶點怪奇的幽默感，組合成一部魅力之作。
(出處：做一部動畫，給邊緣世界的邊緣人——專訪《大世界》導演劉健)

訪談：一個人的動畫電影

大護法

令人驚艷的中國動畫電影，世界觀完整迷人，引人入勝，不同角色間設定鮮明，有著相當微妙的高度反差與象徵意義，口白對話頗有韻味禪意，節奏錯落有致，反烏托邦的故事線更是一絕，無論是血腥驚悚的社會控制，或是懸疑沉重的權力陰謀，各種政治隱喻與社會現象的諷刺符號層出不窮，邊看會邊覺得這種電影為何能在中國上映還不被禁演呢？導演 不思凡 以 flash 動畫起家，是中國的獨立動畫影集創作者，歷來作品在網路上廣受歡迎，本片也是是他的第一部動畫長片，耗時三年完成，在製作中途也曾遭遇資金困難，後來靠著在國際募資平台 Kickstarter 募資成功，以及优酷土豆的注資才得以順利完成。

故事

故事發生的舞台“花生鎮”是奕衛國里一個依山傍水的邊陲小鎮，它因為空中漂浮的神秘黑色巨型花生而得名。奕衛國大護法為尋找失踪的太子而來到這個“花生鎮”，但卻在這個寧靜的地方遇到了重重危機。小鎮上的這些“花生人”面部只有一雙眼睛、一隻嘴巴。他們神情呆滯，從不說話，不知曉自己到底是什麼，也不知道自己從何而來。在所謂“大仙”的管治下，反對一切外來事物，行屍走肉一般麻木地活著。但當這些“花生人”身上長出“傳染病”鬼蘑菇時，就會被處決。大護法與太子在躲避追殺的過程中目睹了人性黑暗的部分，事件的真相也逐漸被揭露。
(出處：《大护法》将上映，一部黑暗的国产成人向动画)

小貓巴克里

睽違 12 年再次有台灣主導的動畫電影入圍金馬。本片由台南的 Studio2 工作室負責統籌製作，由導演邱立偉創作的繪本出發，經過電視影集的發展醞釀，逐步導入 IP 概念積極的經營角色智財權，一步步走到今天的動畫電影，實在難能可貴。

故事

魚嘟因為陰錯陽差來到了一座動物城市(臺南市)，也因此認識了小貓巴克里與其他的動物夥伴，並發現了這座城市被一個假裝擁有無邊法力並且號稱大師的人類所控制。而在大師炫目奇幻的戲法之下動物們都對大師崇拜不已。魚嘟與巴克里必須盡一切努力揭開大師的騙局並找到回家的路。
(出處：維基百科)

54 屆金馬獎完整名單

世界四大動畫影展

之一的法國安錫國際動畫影展，在長達一周的影展中，每天都有著大大小小不同分類的節目場次，有趣的是，除了射紙飛機活動之外，在每一次節目放映前，開場都會固定播放兩支短片：一支是影展贊助商介紹影片，另一支則是周一到周五各不同的秀出「 安錫 Annecy 」字樣的極短篇動畫短片。這些極短篇的來頭也有個傳統，就是都交由法國最負盛名的動畫學校 GOBELINS 的學生團隊來負責製作，同時也是他們二年級生一展長才的學期作業，曝光到全世界動畫業界的最佳管道！

今年的 OP 影片主題以「致敬中國」為出發，影展上也規劃了中國動畫專題，從五支作品可以看到法國學生對於中國文化風俗的一些想像呈現，主題涵蓋了藝術、戲劇、文化、生活 ，按照慣例每一部影片美術風格都大異其趣，各自精彩。話不多說，就讓我們趕快來欣賞欣賞吧！

妖怪 Yāoguài

相當討喜的作品，顏色、角色、動態都令人開心，很合適的影展暖場動畫。創作者是：Valérie Bousquié, Vincent Chansard, Fanny, Hagdahl Sörebo, Sarah Naciri, Julia Trouvé, Valentine Zhang。

孔明鎖 Puzzle

風格多元，由中國傳統的益智玩具「孔明鎖」的結構做延伸變化，帶出中國歷史文化的各種不同面向。創作者是：Maximilien Angelloz-Nicoud, Benjamin Berrebi, Aleksandra Krechman, Côme Roy, Mathilde Vachet。

武器道 Wu QI Dao

中國在國際上的刻板印象之一，個人單項運動的體育強國，一張張難以辨識的黃色臉孔裡，黃絲帶是個很好的線索。創作者是：Jules Bourgès, Cécile Guillard, Nathan Harbonn-Viaud, Antoine Vignon, Benjamin Warnitz。

13:46

午後開工，慵懶又自然的表現，五件作品裡中文發音最清楚的一部。創作者是：Jocelyn Charles, Morgane Ravelonary, Pierre Rougemont, Camille Guillot, Quentin Boyer Di Bernardo, Joséphine Meis。

白蛇傳 Le Serpent Blanc

京劇也是中國精緻文化的精髓表現之一。創作者是：Antoine Bonnet, Mathilde Laillet, Mathilde Loubes, Claire Matz, James Molle, Victoria Niu。

Annecy 2017 Partners' trailer

影展贊助商品牌宣傳動畫，同時也介紹了影展的主要內容。

2016 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2015 Annecy 安錫影展片頭動畫集

2014 Annecy 安錫影展片頭動畫集

(Photo via Cartoon Brew)

先來看看 Art of the Film 所剪接的一分鐘看十部最佳視覺特效入選影片吧！底下筆者將翻譯摘錄 Cartoon Brew 的部分內容，並試著從製作層面來聊聊這 10 部影片為何能入選本屆奧斯卡最佳視覺特效十強，而為何又是前五部作品進入最終入圍名單。

與森林共舞 The Jungle Book

寫實動物模擬一直是 CG 視覺特效領域最複雜與困難的項目之一，2012 年《少年 Pi 的奇幻漂流》就憑著栩栩如生的老虎理查‧帕克一角摘下最佳特效桂冠，而比寫實生物更具挑戰的又非「會說話的真實動物 Talking Animal」這類型角色莫屬，不但有寫實美感的詭異谷必須跨越，還有動物開口說話的表演靈魂感需要克服，再加上還要與一個真實人類兒童演員有大量互動，龐大的森林場景，拍攝、數位合成上的難度都相當高。

最困難的地方：一致性。

特效總監 Robert Legato 表示：一開始我們先完成了幾個最困難、最精彩的鏡頭之後，我們為自己樹立了相當高的標準，以致於我們必須維持這個最高標準直到最後，即使面對很簡單的鏡頭也不能有絲毫鬆懈。延伸閱讀：《與森林共舞》The Jungle Book 幕後製作

奇異博士 Doctor Strange

與以往 Marvel 推出的超級英雄角色性質不同，奇異博士是運用超自然力量的英雄，為了呈現電影中描述的多重宇宙世界觀以及各種精神世界的戰鬥，製作團隊很大膽的使用了許多在大螢幕上極少見的視覺設計。為了強調精神與現實世界互相影響的效果，各種扭曲真實場景的視覺挑戰也是煞費苦心。

最困難的地方：奇異博士被說服的魔法神秘旅程(magical mystery tour)。

特效總監 Stephane Ceretti 表示：這段難以言喻的畫面，除了需要做成好像是一鏡到底之外，還用了大量不同的視覺語言去說故事，從抽象的文字敘述到概念美術、動態預覽再到最終視覺，每一步驟都有著大量的視覺研究與技術研發，就像是在創作一部電影中的電影一樣，前前後後總共花了大約半年時間才完成。

酷寶：魔弦傳說 Kubo and the Two Strings

逐格動畫電影本身已經夠磨人了，LAIKA 動畫的每一部電影作品還不斷在挑戰逐格動畫的藝術與技術疆界，酷寶這次也不例外，創造出了前所未見的美麗紙雕世界觀，還加入了許多 CG 特效，像是巨大海嘯與吞噬一切的黑洞，還要兼顧與實拍偶角色、場景結合的巧妙手感。

最困難的地方：開場的大海嘯。

特效總監 Steve Emerson 表示：首先我們是在拍攝一部逐格動畫，所以面對這種尺寸巨大、嚇人的滔天巨浪，我們除了要保持海浪自然寫實的特性之外，也要維持住逐格手做的節奏感，以及偶動畫該有的視覺設計，最後我們找到了最適合的質感，融合日本傳統版畫、皺皺的垃圾袋、以及浴簾的奇妙組合，再結合 CG 動畫的效果去實現它。

怒火地平線 Deepwater Horizon

電影是關於鑽油塔失火的故事，可以想見有相當大量、真實的火焰效果需要製作。特效總監 Burt Dalton 表示：他們真的在海上打造了一個模擬鑽油塔的拍攝基地，所以鏡頭前許多火燒、煙塵、爆破效果都是真實拍攝的，因為唯有靠近畫面的東西是無可挑剔的真實，觀眾才會信任遠處添加的數位效果也是真實存在的。為了營造巨大的火焰，拍攝現場背景有時還會架上巨型投影幕撥放火焰影片，用來取得演員與環境更真實的光影資訊。

最困難的地方：主角 Mike 從鑽油塔跳入海中逃生的鏡頭。

特效總監 Craig Hammack 表示：導演 Peter Berg 很強調影像的沉浸式體驗，希望觀眾能感受到大場面火災的痛楚與險惡，然後再從大火中穿入接上由十數個水缸拍成的水底鏡頭。我們從接到案子的第一天就開始這組鏡頭的工作，找了許多不同特效公司製作了好幾組動態預覽，終於直到電影映前一周才達到導演心中的理想畫面。預告最後可以看到一部分這個鏡頭的畫面。

星際大戰外傳：俠盜一號 Rogue One

星際大戰系列幾乎是入圍奧斯卡視覺特效的最佳保證，七部曲加上外傳俠盜一號，八部影片中只有一部《西斯大帝的復仇》沒有入圍。影片中特效最有話題性的部分就是讓已經過世的演員 Peter Cushing 起死回生再次演出 Grand Moff Tarkin 的戲份。延伸閱讀：數位科技讓人起死回生？

最困難的地方：帝國軍官 Krennic 搭乘穿梭艦要離開死星的畫面。

特效總監 John Knoll 表示：死星是一個直徑超過 100 公里長的宇宙基地，為了凸顯它的巨大與船艦的渺小，在 CG 環境中實踐其實並不容易。另外還要兼顧 1970 年它第一次亮相的視覺印象，為此我們很認真徹底的重新研究了死星，包括當年使用過不同尺寸的拍攝模型，希望能讓觀眾將畫面放到最大時仍能看到死星表面的細節。 

接下來五部是第一階段入選，但最終未能入圍的影片。

怪獸與牠們的產地 Fantastic Beasts

哈利波特系列的前傳電影，1926 年的美國魔法世界，與大量的奇幻生物通通都需要 CG 特效來呈現，不過，假如和《與森林共舞》的 Talking Animal 相比，模擬創造不存在的生物還是彈性比較大，難度要容易許多。

美國隊長3：英雄內戰 Civil War

超級英雄電影向來依賴大量的視覺特效來娛樂、取信觀眾，英雄內戰如同復仇者聯盟系列一樣，是一場英雄大鍋炒的視覺盛宴，有著大量的英雄出場，特效需求不言而喻。

吹夢巨人 The BFG

巨人也是不存在於現實生活的奇幻存在，依賴 CG 特效無可避免，好加在的是他們至少是用兩隻腳走路的人形角色，這時候動態捕捉技術(Motion Capture)就派上了大用場，演員可以將表演直接轉化到巨人身上，讓虛擬角色更有說服力。

星際過客 Passengers

太空船不存在現實之中，所以大量的特效運用絕對無可避免。預告中有一段太空船失去重力游泳池的水都飄浮起來的畫面，令人印象深刻。

異星入境 Arrival

外星人、外星飛船也是視覺特效需求很大的項目，不過，異星入侵因為太空船的造型偏向簡單幾何，所以特效重點變成是在整體神秘、詭譎氛圍的完美呈現。

參考資料

VFX Oscar Contenders Share Their Toughest ShotsVFX Oscar Contenders Share Their Toughest Shots

Academy Award for Best Visual Effects

OSCARS 2017: VFX SHORTLIST